Grizzly Man (2005), de Werner Herzog

Entusiasmo fue lo que definió mi estado tras ver esta pelicula de Werner Herzog y es una sensacion que me encanta porque a estas alturas me doy cuenta que autores de la talla de Herzog siguen vivisimos a pesar de que de vez en cuando sigan haciendo obras irregulares. No se puede decir esto de una pelicula como "Grizzly Man", obra devastadora, una peli aparentemente sencillita pero poco a poco a medida que te vas zambullendo en el retrato que Herzog hace de Timothy Treadwell, te vas dando cuenta de la complejidad, no solo de este personaje, sino de la forma en que Herzog te muestra lo que es la naturaleza humana.

Aqui en este documental, Herzog explora la vida y muerte de un protector de los osos, vivió trece años entre ellos y acabo muerto por uno de ellos. A partir de ahi, con una seleccion inteligentisima de pelicula filmada por Treadwell, Herzog explora lo que siempre ha hecho y ha sido una especie de obsesion para el: el secreto de la naturaleza humana, un autentico misterio, enfrentado a ese otro misterio, la naturaleza mas salvaje.

Si fascinante es un personaje como Treadwell en si mismo, y no voy a entrar en detalles, hay que llegar a Treadwell casi virgen, para que te atrape, mas fascinante es aun la forma que elige Herzog para mostrarnoslo. Comenzamos a ver la naturaleza a traves de los ojos de Treadwell, que tenia una vision de ella paternalista y romantica, pero al mismo tiempo vemos la vision que tiene Herzog de ella: implacable, ruda y hostil, todo lo contrario a lo que Treadwell predicaba, y estas dos visiones, estas dos contradiccions en si mismas, son realmente fascinantes porque Herzog usa las imagenes filmadas por el propio Treadwell, y en este caso le fascina la vision de Treadwell como cineasta, como dice en algun momento de la pelicula el propio Herzog. Es emocionante poder ser testigo de como Herzog selecciona precisamente lo filmado por Treadwel, los momentos donde la naturaleza se muestra mas implacable y misteriosa, y ver a continuacion como el mismo Treadwell es totalmente ajeno a ello usando la camara como un espejo para reflejarse a si mismo.

Y ante un personaje como Treadwell, tan obsesivo y excesivo, Herzog consigue el mas dificil todavia: no usa ni abusa de estos defectos como forma de explotacion de un personaje, todo lo contrario, se le nota una enorme generosidad, una enorme cariño por Treadwell, conoce sus defectos y virtudes y mas que su relacion con los osos, lo que de verdad le interesa a Herzog es explorar el interior de Timothy Treadwell. Pelicula entretenidisidima, con momentos divertidisimos, paranoicos, duros, y tristes, en definitiva los momentos de los que se compone la vida en si misma.

Werner Herzog en un momento de "Grizzly Man":

"Ya he visto esta locura antes en el set de una pelicula"

Xiao Wu (1997), de Jia Zhang-Ke

Rescato un post que escribi hace años sobre Jia Zhang ke, ahora flamante ganador del ultimo Festival de Venecia por su pelicula "Still Life", polemico premio porque parece ser que la proyeccion se la perdieron la mayoria de los criticos patrios, o mas especificamente, los criticos mas consagrados. Én fin, sirve el rescate de Xiao Wu mi particular homenaje a uno de los autores mas interesantes del panorama cinematografico actual

"Xiao Wu", es la opera prima de un director chino, Jia Zhang Ke, del que ya habia visto sus dos pelis mas importantes "Platform" y "Unknown Pleasures", dos pelis magnificas sobre la sociedad y la juventud china de ahora. La vision que este director tiene sobre su tiempo y sobre la sociedad en la que vive, y su forma de guardar una cierta distancia, siempre controlando, siendo muy critico, le convierten para mi, en uno de los directores mas interesantes que he podido descubrir.

Xiao Wu es un carterista que vive en una pequeña ciudad, Fenyang; deambula por su sus calles, fuma muchisimo, se dedica a sus trapicheos, y esta continuamente en movimiento. Esta pelicula no tiene un argumento definido con un nucleo central, caractertistica comun por otra parte de las pelis de Zhang Ke, sino que simplemente, el director aqui camara en mano, se dedica a seguir a Xiao Wu durante diferentes episodios de una etapa de su vida, episodios aparentemente inconexos pero que desde luego consiguen que te hagas al poco de empezada la peli, un retrato perfecto de este joven veinteañero, timido, con problemas de comunicacion, y que nunca seria capaz de cantar en publico :-))).

El mundo en el que vive Xiao Wu está cambiando a pasos agigantados, China en plena decada de los 90 se está abriendo al mundo occidental, al capitalismo mas exacerbado, y los mas espabilados lo aprovecharan para sacar su tajada. Sin embargo, Xiao Wu sigue sumergido en su mundo, vagando casi a la deriva, aparentemente solo dedicado a sus trapicheos como ladronzuelo de poca monta, sin que le afecten estos cambios con los cuales es bombardeado continuamente. Sus antiguos compañeros de correrias empiezan a no querer saber nada de él porque poco a poco estan consiguiendo integrarse a esta nueva vida ofrecida por el capitalismo, a sacar tajada de su parte del pastel, casarse y ser ciudadanos "modelo"; puede que hayan dejado su vida de ladronzuelos pero a su manera, aprovechan las ventajas de apertura economica para robar de otras formas, la falsa moral de siempre. El primer jarro de agua fria que recibe Xiao Wu y que quizas le hacen darse cuenta que algo está cambiando, es cuando descubre que su intimo amigo, Jin, va a casarse y no le ha invitado a su boda. A traves de varios detalles, Xiao Wu se va dando cuenta que este amigo, recientemente elegido "empresario modelo", le está marginando de la vida que se ha formado y se quiere formar como ciudadano burgues casado con una joven que parece "una estrella de cine" y a raiz de ahi, se produce la primera escision grave en su vida. Una de las escenas mas memorables de esta pelicula es cuando Xiao se reune con su amigo y le confronta con la verdad, preguntandole directamente y sin rodeos porque no le quiere en su boda, y sin embargo si ha invitado al jefe de policia local... La hipocresia de Jin llega a tal punto de devolverle el regalo de su boda porque no es dinero "limpio": el rechazo a Xiao Wu no puede ser mas claro, o te adaptas a nosotros o te pierdes para siempre.

Un pequeño rayo de luz y de cambio parece llegar a la vida de Xiao Wu cuando conoce a Mei Mei, una prostituta que trabaja en un karaoke. Acompaña a Mei Mei a un locutorio telefonico porque tiene que hacer la llamada semanal a su madre y es testigo de como ella le cuenta a su madre que sigue en Pekin, haciendo castings para directores de cine; la vida de la pobre Mei Mei no puede ser mas diferente y mas patetica, sin embargo su madre no tiene porque enterarse de que vive en una pequeña ciudad, tambien vagando a la deriva como la mayoria de jovenes que les rodean. La relacion entre estos dos jovenes es quizas uno de los puntos álgidos de esta pelicula, porque aunque conforma solo un episodio de la vida de Xiao Wu, su intensidad, la frescura y la autenticidad que Zhang Ke es capaz de transmitirnos, a mi desde luegoc onsiguieron engancharme. Hay una escena maravillosa en la cual Xiao Wu va un dia a buscar a Mei Mei al karaoke y le dicen que esta enferma. La encuentra en la habitacion donde vive, metida en la cama con fuertes dolores menstruales y poco despues le trae una bolsa de agua caliente para que se alivie. Cuando ella consigue mejorar ambos hablan y poco despues ella hace lo que mas le gusta hacer, cantar, y sin embargo y a pesar de lo bien que se siente Xiao Wu con ella, le resulta completamente imposible acompañarla cantando, por mucho que ella se lo pida. Poco despues vemos a Xiao Wu en unos baños publicos, completamente solo y desnudo, es entonces cuando le vemos mas feliz y relajado que nunca y casi sin esperarlo, se pone a cantar; es la liberacion.

Diferentes episodios, encuentros con personajes, que haran que Xiao Wu, se encuentre cada vez mas solo y mas marginado. La camara de Zhang Ke exuda sinceridad, autenticidad y muchisima honestidad con todo lo que va retratando, los sonidos (y las imagenes) que provienen de la television, de los móviles, de la ciudad, son una parte esencial en esta pelicula. Por esto y mas cosas, el final de esta pelicula me parece que dice mucho de un director como Zhang Ke, de su talla como artista y narrador de su tiempo, porque él como director se desnuda y desnuda su camara, poniendose al nivel y de parte de su personaje con una sinceridad y una generosidad pasmosas. Un final impactante porque es un resumen perfecto, no solo del mundo en el que vivimos sino que es una prueba palpable de que Xiao es un personaje universal, con los mismos problemas de comunicacion y de adaptacion que cualquier joven de hoy en dia.

La desolacion del mundo fisico en el que viven los personajes de Zhang Ke, perdidos, sin perspectivas de futuro , en contradiccion al boyante mundo economico en el que parece inmersa China, son brillantemente reflejados por este magnifico joven director, todo esto aderezado con una finisima ironia y un sentido del humor de lo mas sutil. Una peli fresca, y sincera, que creo es la prueba evidente de que los jovenes cineastas chinos de esta ultima generacion tienen muchisimo que decir.

La Pasion de Ana (1969), de Ingmar Bergman

Dicen que esta es una de las peliculas menores de Bergman, o quizas de las mas irregulares. Bueno, eso es lo que dice la critica especializada, pero como yo no soy nada de eso puedo ir contracorriente :-)), y afirmo que despues de verla, se ha convertido en una de mis favoritas de Bergman.

Una pelicula que desde su comienzo me engancha: Andreas (Max Von Sydow) vive completamente aislado hasta que una mujer misteriosa, viuda, Ana (Liv Ullman), llama a su puerta porque necesita hablar por telefono. Andreas le ofrece su telefono pero no puede evitar escuchar tras la puerta la dramatica conversacion de la mujer y poco despues de su marcha, tampoco puede evitar invadir la intimidad del bolso de Ana, un bolso que se ha dejado olvidado y donde Andreas encuentra una carta.

En ninguna otra peli de Bergman he visto una Liv Ullman mas hermosa y un Max von Sydow mas fragil. Es una pelicula extraña por varios detalles: una trama paralela con una cierta intriga donde un loco parece ir dejando un rastro de muerte, una fotografia que a mi me ha parecido calida y llena de una luz impactante, y la peli de Bergman cuyo final es el que mas me ha impresionado. Una pequeña joya.

Forty Guns (1957), de Samuel Fuller

El comienzo de una pelicula es siempre tan importante. Hay tantas peliculas que empiezan con esas introducciones aburridas e intelectuales o explicaciones innecesarias. Desde siempre me han gustados los comienzos que atrapan, con accion, porque esa accion nos está contando algo esencial sobre las emociones de los personajes" (Samuel Fuller***)

Rescato estas palabras de Fuller porque es una convicción que parece que ponia siempre en practica, por lo menos en las pelis que yo he visto suyas. Sus comienzos suelen ser impactantes y muy viscerales, pero el comienzo de "Forty Guns", es ademas para mi, quizas su comienzo mas hermoso:

Tres hombres avanzan en un carro por una inmensa pradera; en la lejania se oye el sonido de cascos de caballos; se van acercando y sabes/intuyes que parece un ejercito el que se vaya acercando a tropel. Poco a poco las imagenes se van sucediendo y somos testigos de los numerosos cascos de caballos y de los rostros sorprendidos de los tres viajeros que han tenido que detener el carro. No pueden hacer otra cosa que aguantar el chaparron de lo que se les avecina, ciertamente impactados por la invasion de la que son objeto: como en una especie de sueño, este ejercito pasa frente a ellos, sin detenerse ni mirarlos siquiera, pero no es un ejercito al uso. Liderando este grupo de jinetes va una mujer vestida completamente de negro montando un semental blanco, a continuacion le siguen decenas de jinetes. Despues de este prologo, Fuller nos muestra los creditos durante los cuales solo vemos a una mujer (Barbara Stanwyck) cabalgando por su inmenso territorio seguida de sus cuarenta hombres.

Este es el prologo porque tras los creditos vemos a los tres viajeros llegar a un pueblo. Los tres hombres son los hermanos Bonell, dos de ellos agentes federales, que llegan a aquella pequeña comunidad en mision del gobierno para buscar y detener a un ladron de diligencias, y desde alli mismo enviar a su hermano pequeño a California, para que se convierta en ranchero, y alejarle asi de sus sueños idealistas de convertirse en pistolero. La fama precede a Griff Bonell (Barry Sullivan), el hermano mayor, ex pistolero y reconvertido en agente del gobierno por un suceso del pasado que le hizo replantearse su vida y un ejemplo de ello es una de sus frases en la peli; "Nunca disparo a menos que sea estrictamente necesario". En cuanto llegan al pueblo, preguntan por el ejercito de jinetes que se han encontrado a su paso y por la rubia que les dirigia y enseguida les informan: ella es Jessica Drummond, poderosa terrateniente que es la dueña y señora de todo lo que les rodea con ayuda de sus 40 hombres armados. Ella es la ley.

Es algo complicado, para mi, comentar una peli de Fuller porque en cada peli suya desmantela de alguna forma las reglas establecidas, aunque quizas por eso es un director que me apasiona tanto. "Forty Guns" es un western crepuscular, fascinante en sus dialogos y en sus personajes, porque Griff Bonell es un hombre desencantado por la vida de violencia que ha llevado y porque a pesar de que quiere dejar esa violencia atras y lo ha conseguido durante los diez ultimos años, su destino le persigue (cuantas semejanzas con el personaje femenino protagonista de "The Naked Kiss"). Como siempre, Fuller pone en tela de juicio la sociedad en la que se desenvuelven sus personajes, pero en este caso, y como ésta es una peli del oeste, aqui aparecen todosss y cada uno de los mitos y topicos de las pelis del oeste; pero ademas, es una peli fulleriana cien por cien y veremos estos topicos revisados y reinterpretados a su manera. Es un western repleto de violencia, pero las pelis de Fuller no se pueden encasillar porque tambien tenemos esos momentos inclasificables y sorprendentes tan tipicos de su estilo: su momento musical (en un funeral), sus momentos de comedia sazonados con dialogos con cierta carga sexual, y un tornado, que engulle a Griff y Jessica y los convierte en pareja fugaz. Todo muy fulleriano.

Cuando acabó me supo a poco, hubiera deseado que se hubiera alargado masss. Es una pelicula con una puesta en escena apabullante; una peli que mientras la estas viendo, te vas dando cuenta lo mucho que ha influido en otros cineastas posteriores. Impresionante es la primera vision que tienen los hermanos Bonell de Jessica Drumond, y mas impresionante aun es su segunda vision de ella porque toda esa escena forma parte de un plano secuencia larguisimo cuya culminacion es Jessica Drummond entrando a caballo en el pueblo acompañada de sus hombres, fuerte y poderosa. Ademas esta peli tiene una de las escenas mas hermosas, en mi opinion, que he podido ver en una peli de Fuller: un hombre que despues de haberse humillado y desnudado emocionalmente frente a Jessica Drummond, decide acabar con su vida casi en vivo y en directo. Y el personaje de Jessica Drummond es todo un gozo, una mujer dura como una roca, acostumbrada a sobrevivir pero obsesionada con la soledad y el avance del tiempo. Ademas ¡¡que grande es Barbara Stanwyck!!

El final tambien tiene su epilogo; epilogo que me chirrió porque para mi la peli termina antes. Sin embargo, puedo entender que ese final fuera demasiado fuerte para una peli de aquella epoca y encima del oeste, asi que Fuller a instancias de Zanuck lo adornó con un epilogo. A pesar de ese añadido, Fuller cuenta en su autobiografia, que la peli esta muy cerca de su concepcion original y lo entiendo porque a pesar de ese epilogo, el final que él eligió siguió estando alli, muy presente ;-))))

"En aquella epoca a muy poca gente se le ofrecia la oportunidad de escribir, producir y dirigir sus propias peliculas.. En Francia, en los 60, vinieron a llamar a esto "cine de autor" (...) pero en Estados Unidos en los 50, era muy complicado mantener este tipo de independencia a menos que produjeras tus propias peliculas. Y la cosa se puso mas dificil en decadas posteriores. Alguien que me inspiró mucho fue Joseph L. Mankiewicz, el gran escritor, productor y director. Joe siempre me alentó para que no dejara de luchar a favor de mis convicciones personales en Hollywood. El tambien tuvo que librar sus propias batallas en los 40. Joe desconfiaba de cualquier proyecto que necesitara cinco guionistas. Habria dicho: -Demasiados cocineros estropean un guiso-" . (Samuel Fuller ***)

Fuller nos retrata el fin de una epoca, e incluso se atreve a adelantarse y a proclamar el fin de un genero, el western. Griff Bonell, en una escena que es lo mas anti-epico que he visto en cine, le comunica a su hermano pequeño con la tolerancia que le da su edad y su experiencia, que se deje de tantos sueños epicos sobre pistoleros y demas, que esta epoca se acaba y le regala su pistola diciendole que le será de mas utilidad matando serpientes en su rancho.

***Extractos de "A Third Face", autobiografia de Samuel Fuller

Santa Sangre (1988), de Alejandro Jodorowsky

Esta es la tipica peli que por mi misma nunca me hubiera sentido motivada a verla, pero cuando un amigo te manda/presta/graba una peli con toda la generosidad del mundo, lo primero que hago es verla y si es una porqueria, no tengo ningun problema en decirselo a la cara ;-)).

Mientras veia “Santa Sangre” no podia dejar de pensar precisamente en esto, en que era una porqueria. Sin embargo, a medida que la peli avanzaba me di cuenta en que mi problema estaba en el hecho de que no sabia como catalogar una peli como ésta. Es como culebron mejicano, con elementos de terror, gore, romanticismo algo baboso, melodrama de lo mas kitsch, en fin que aquí hay de todo, incluso el funeral de un elefante, escena bizarra, que me dejó con la boca abierta cuando la vi, pero que al finalizar la peli me pareció de lo mas atractiva.

No puedo negar que a pesar de mi escepticismo inicial, acabé impactada y porque no decirlo, seducida finalmente por esta peli de Jorowsky, pero seducida sobre todo por las imágenes, por el color, por la utilizacion de la musica y por todo ese cacao jodorowskiano a la hora de usar simbolismos religiosos muy buñuelianos y fellinianos por momentos. Estoy segura de que muchos diran que es la peor peli de la historia, pero a mi me pareció una peli muy atractiva, con imagenes muy dificiles de olvidar.

A scanner darkly (2006): Dick por Linklater

Un proyecto atractivo como pocos adaptar la novela de Philip K. Dick. Terry Gilliam lo persiguió en los 90 y más tarde Charlie Kauffman escribió un guión. Definitivamente ha sido Richard Linklater el que se ha llevado el gato al agua. Para adaptar el alucinado mundo que refleja la novela Linklater ha elegido una técnica consistente en filmar la película y despues animar fotograma a fotograma sobre los actores reales (técnica que ya utilizó en Waking Life). El resultado es una sensación de irrealidad que no le viene nada mal a la película, pero que sin embargo hace que se pierda la expresividad de los actores. Creo que estéticamente es sorprendente y llega a impresionar pero por momentos también a molestar. Una de las ventajas de usar esta técnica ha sido la facilidad de introducción de efectos especiales.

Bob Arctor (Keanu Reeves) es un yonqui de poca monta adicto a la Sustancia D (plaga que azota la ciudad de Los Angeles), que acepta un trabajo como agente de narcóticos para averiguar sobre su grupo de colegas, entre los que se encuentran su chica Donna (Winona Rider) y Jim Barris (Robert Downey Jr.). Una vez ha entrado en este juego, le será difícil distinguir entre el Bob yonqui y el Bob policía, comenzando un viaje paranoico que no conduce a ninguna parte. Dentro de una trama que camina entre la ciencia-ficción y el thriller, A scanner darkly es realmente una novela de personajes y con fuertes tintes autobiográficos. Y con un tema central clarísimo: las drogas. Yo la situaría en la tradición de los trópicos de Henry Miller y la brutal "El almuerzo desnudo" de William S. Burroughs.

En cuanto al guión adaptado, creo que hay que felicitar a Linklater, porque ha captado y reflejado la novela perfectamente. Está claro que el material de donde parte es de primera calidad: una novela impresionante, divertida, desoladora, sentida y paranoica como pocas. Todos estos elementos han sido llevados a la pantalla. También se ha elegido muy bien los fragmentos a eliminar (pocos, la verdad) que en ningún momento restan uniformidad a la película. Todo lo necesario está ahí. También se nota la admiración y el respeto que siente Linklater hacia Dick, con varias citas a descubrir (hay que estar muy atentos) y por la inclusión casi íntegra del epílogo de la novela.

En resumen, novela/película totalmente recomendable. Quien lea/vea A scanner darkly no puede acabar siendo la misma persona a su finalización. Y para mi, lo mejor de Linklater, un director que me había dicho bien poco con la prestigiosa Before Sunset.

What does a scanner see? Into the head? Down into the heart? Does it see into me? Into us? Clearly or darkly? I hope it sees clearly because I can't any longer see into myself. I see only murk. I hope for everyone's sake the scanners do better, because if the scanner sees only darkly the way I do, then I'm cursed and cursed again.

Mi vecino Totoro (1988), de Hayao Miyazaki

Ya he comentado alguna vez que soy una completa novata en esto del cine de animacion, pero a raiz de ver Chihiro, senti una enorme curiosidad y deseos por ver mas cosas de Miyazaki. Es quizas una de mis manias mas compusilvas: en cuanto veo por primera vez la obra de un director que no conocia hasta ahora y que me impacta de alguna forma, me pongo un poco paranoica y hasta que no consigo ver mas cosas, no paro; asi que no despues de Chihiro no paré hasta conseguir "Mi vecino Totoro" y tengo que decir que la espera y la busqueda merecieron la pena como pocas veces.

Desde el principio me senti atrapada por este cuento que nos relata como las dos hermanas, Satsuki y Mei, de nueve y cinco años, nada mas empezar la historia, se estan mudando a una nueva casa en el campo, junto a su padre. Comienzo mas o menos identico al de Chihiro, porque representa la epoca de transicion en la vida de un niño que se tiene que enfrentar a uno de los terrores de su infancia: el cambio de casa y de colegio. Nada mas llegar a la vieja casa de campo, ocurren una serie de hechos que hacen creer a las niñas que la casa esta habitada por fantasmas. Precioso comienzo porque vemos a las dos niñas descubriendo un mundo nuevo, conociendo su entorno, y nosotros como espectadores ya nos hemos podido hacer una idea exacta de cómo son estas niñas, y al mismo tiempo nos hemos hecho un retrato de su padre, y de la ausencia de una madre en esta casa. Un dia la pequeña Mei se escapa y se adentra en el bosque y conoce a Totoro...

Quizas una de las cosas que mas me impactaron de Chihiro, y ahora de Totoro, es la descripcion de personajes, la maravillosa facilidad que tiene Miyazaki para describirnos los niños que fuimos (y que seguimos siendo), y el modo en que nos zambulle en un mundo de fantasia tan rico, pero al mismo tiempo haciendonos conscientes de lo duro que es para un niño a veces enfrentarse a la realidad y al sufrimiento. Por este motivo, este cuento, ademas de cálido y magico, es por momentos muy melancolico, triste y duro. La pelicula está llena de ingenuidad y calidez , pero tambien de una notable complejidad sobre todo por el enfrentamiento de los niños con el mundo de los adultos y con su realidad. La madre de las niñas se encuentra en el hospital aquejada de una enfermedad, y aunque no se especifica su gravedad, es mas que evidente que las niñas se han tenido que enfrentar a este hecho de una forma que les resulta traumatica.

Muchos detalles han conseguido transportarme a mi propia infancia y a mis miedos y eso es lo que me ha cautivado de esta pelicula del mismo modo que me atrapó Chihiro; me senti perfectamente identificada con estas niñas, con sus miedos infantiles, con la imaginacion que despliegan. Especialmente impactante me pareció la forma en que las dos niñas se enfrentan quizas a lo que es su miedo mayor, y es el panico a la perdida de los padres, de la madre en este caso. Maravillosa la escena en la que Katsuki recibe el telegrama proveniente del hospital..., el terror que siente, la forma en que empieza a correr buscando un telefono para hablar con su padre, como se sienta luego junto al telefono esperando una respuesta... y la consecuencia de esto que es la desaparicion de su hermana, demasiado sufrimiento y dolor para unas niñas tan pequeñas. Mientras devoraba esta pelicula, fascinada y porque no admitirlo, emocionada, no podia creerme que una pelicula de animacion pudiera conmoverme hasta tal punto, creyendome tanto estos personajes. Los silencios de Miyazaki son tan descriptivos y permiten a los personajes desenvolverse de tal forma que te olvidas que son personajes animados.

Y lo mejor de este mundo de fantasia que es capaz de crear este director, es que, por muy "diferentes" que sean las criaturas que van apareciendo en este mundo tan lleno de imaginacion, todas son tomadas en serio con sorprendente naturalidad, todas son reales y consiguen transportarte a un mundo donde todo es posible y donde todo puede ocurrir... Es fascinante ver escenas como la de las niñas bajo la lluvia, la pequeña conociendo por primera vez a Totoro, la busqueda incansable de la responsable Katsuki de su hermana pequeña, y la enorme madurez de unos personajes que se te quedan grabados ya para siempre..., que dificil es que ocurra esto a estas alturas y habiendo visto tantas pelis.

Solo puedo decir que envidio a estos niños que se enfrentan al mundo magico de Miyazaki por primera vez con peliculas como Totoro, porque debe ser una delicia descubrir a Miyazaki con los ojos de un niño.

Safe (1995), de Todd Haynes

Carol White (una brillantisima Julianne Moore) es ama de casa; ella misma se define asi cuando le preguntan en un momento de la pelicula a que se dedica, y titubeando responde de forma ingenua: "Soy ama de casa, y bueno y en mi tiempo libre me dedico a decorar mi casa, a la decoracion de interiores". Y asi es, Carol vive completemante dedicada a su hermosa casa situada en un barrio elegante, a su marido muy bien situado y a su hijastro. El problema mas complejo que se le puede presentar en un dia cualquiera es el color del carisimo sofa que acaba de comprar, un desastre si le llevan el sofa equivocado. Aparentemente lleva una vida perfecta y ociosa, saliendo a tomar cafe con sus amigas igualmente ociosas, ideando nuevas dietas para conservar su delgadez, yendo al gimnasio y cultivando sus rosas a amarillas.

Sin embargo, desde un primer momento ya hemos podido darnos cuenta que Carol está sola, vive rodeada de gente pero al mismo vive en un terrible aislamiento que la hacen desenvolverse a lo largo del dia en una serie de actividades mecanicas y rutinarias. Es el ama de casa perfecta, la perfecta amiga y la perfecta esposa pero ya desde la primera escena con su marido, sabemos que esta mujer no es feliz, ¿pero a quien parece importarle que no sea feliz si su vida es tan confortable y segura?

Cuando Carol empieza a sentirse mal, enferma y cuando comienza a buscar soluciones para su extraña enfermedad, Haynes ya se ha encargado de demostrarnos de una forma muy sutil que el unico problema es ella misma y la vida que lleva; es una mujer que empieza a sentir claustrobia, a ahogarse y a comprender que no puede seguir viviendo asi, y de no ser por esa extraña enfermedad, Carol hubiera seguido viviendo de la misma forma discreta, adecuada y convencional. Una escena magistral y en la que Haynes nos hace un retrato perfecto del mundo en el que vive Carol es una escena anterior a una de sus crisis: Carol se encuentra en una fiesta rodeada de amigas que estan celebrando el futuro alumbramiento de una de ellas. Amigas acomodadas y ociosas, teniendo conversaciones intrascendentes y solo preocupadas por los regalos que en esos momentos estan abriendo. Carol no puede mas y estalla.

Todd Haynes retrata a Carol y la vida que lleva con una frialdad glacial. La camara casi siempre, por lo menos en esa primera mitad de la pelicula, se mantiene a una calculada distancia, analizando y explorando pero sin acercarse demasiado a Carol. La forma en que este cineasta nos va sumergiendo en el mundo de Carol, poco a poco, con un ritmo pausado, mantiene al espectador siempre a calculada distancia porque su intencion es que el espectador no se implique con ella. La frialdad impersonal de la casa ultramoderna en la que vive Carol, se corresponde perfectamente con la narracion y con una atmosfera cada vez mas claustrofobica.

En esta extraordinaria pelicula, Todd Haynes, como en todas las demas pelis que le he visto, está poniendo en cuestion todo un mundo, toda una forma de vida; en ningun momento ataca directamente, su forma de proceder es de lo mas natural y sutil y aunque aparentemente el leit-motiv del argumento sea una extraña enfermedad y las soluciones provengan de todas partes, en todo momento Haynes nos está pidiendo que pongamos los pies en la tierra, a nosotros como espectadores y a Carol con sus inseguridades y su timidez.

La ultima imagen de la pelicula, sobrecogedora a mi entender, es el resumen perfecto de una peli que a mi desde luego me parece una obra maestra. Una verguenza que una pelicula como esta no se estrenara en su dia y que siga siendo tan desconocida.

Dans la nuit (1929), de Charles Vanel

Por una vez me permito invadir los terrenos del cine mudo del señor conde y comentar una peli que he visto hace muy poquito y que no solo me sorprendió por lo brillante, sino por lo desconocida. Quizas sea incluso un clasico pero la verdad, nunca la habia visto relacionada en los listados de las mudas mas estimables ni tampoco habia oido hablar de ella. Charles Vanel, actor (consultando la imdb podeis ser testigos de la cantidad de peliculas que interpretó), solo dirigió dos pelis. "Dans la nuit" en 1929 y otra posterior en 1932, la cual desconozco, pero despues de haber visto esta opera prima suya, me preguntó porque no dirigió mas peliculas. Una pena y una perdida para el cine, a raiz de los resultados.

En "Dans la nuit" sus dos protagonistas, dos recien casados, recorren una etapa de su vida, llena de luces y sombras. El argumento esta claramente estructurado en dos partes: una primera parte donde la luz y los placeres de los sentidos cobran protagonismo y la excusa para este goce de los sentidos es la boda de los protagonistas en un pequeño pueblecito minero; las imagenes de la celebracion de la boda se mezclan con imagenes semidocumentales del pueblo minero, del trabajo en las minas, en definitiva, el fluir de la vida, una mezcla que me recuerdan al naturalismo de Renoir, al enganche que me produce siempre Jean Vigo e incluso a "Menschen am Sonntag".




La segunda parte adquiere un caracter mas dramatico cuando ciertos conflictos entran en cuestion y revuelven los cimientos de esa fragil felicidad recien conseguida: la pasion tan fisica y visceral entre el minero y su esposa se convierten de la noche a la mañana en una huidiza frustracion, en monotonia, en definitiva, la luz ya ha desaparecido y Charles Vanel imbuye esta segunda parte de su pelicula de sombras y frustraciones.

Una pelicula extraordinaria cuyos 75 minutos se me pasaron volando y que recomiendo total y absolutamente a todo aquel que pueda verla; la forma en que Charles Vanel retrata la vida, la pasion, el desencanto, han sido una maravillosa sorpresa: una joyita de estas desconocidas donde este director demuestra un talento incluso avanzado para su epoca a la hora de hacer fluir su camara y montar las imagenes.

Lo unico negativo, el final, que se nota totalmente impuesto y sin embargo, pequeños detalles como este no estropean esta extrardinaria y bellisima pelicula.

The Yards (2000), de James Gray

Hace ya tiempo que vi dos pelis estupendas, magnificas de un director que me llamó mucho la atencion, James Gray: "Little Odessa" (1994) y "The Yards" (2000), aqui titulada "La otra cara del crimen". Ya en su dia me parecieron geniales pero hace unos meses revisé "Litte Odessa" y ayer mismo "The Yards" y habian crecido como solo las grandes peliculas pueden crecer: "Little Odessa" me parece una de las peliculas mas brillantes de la decada de los 90 y "The Yards" que la tengo muy fresca, muy reciente, es una obra fascinante por la densidad y el oscuro tormento que filtra cada fotograma. Sin embargo, la experiencia de revisar "The Yards"me indignó y mucho ¿como un director de la talla de James Gray no ha vuelto a dirigir nada desde el 2000??

"Little Odessa" consiguió unas criticas magnificas en su dia e incluso ganó algun premio en el Festival de Venecia, pero el tormento de James Gray parece ser que comenzó con "The Yards"; nadie parecia creer en ese guion que estuvo paseando durante años por diferentes productoras hasta que Miramax le dió su oportunidad. Sin embargo el guion de "The Yards" era demasiado oscuro y denso, demasiado "europeo" para el publico americano, asi que Gray vivió un tormento no solo durante el rodaje sino en la postproduccion donde los Weinstein le cortaron metraje, y rodaron pelicula en contra de su voluntad. Poniendo dinero de su bolsillo consigue terminar la pelicula pero Miramax le penaliza dejando la peli fuera de la circulacion durante un tiempo, y tengo entendido que dejando tambien fuera de la circulacion al mismo Gray, que durante todos estos años no ha podido rodar debido al contrato que todavia le tenia atado a los Weinstein. En fin, una pesadilla pero gracias a Dios, James Gray este año ha vuelto a rodar, aunque ésta ya es otra historia.

"The Yards" nos cuenta una historia quizas mil veces vista. Leo (Mark Wahlberg) sale de prision despues de año y medio encerrado por el robo de coches y sin haber delatado a sus compinches. Leo es un hombre de pocas palabras, tranquilo y casi inexpresivo, un personaje que a mi me recordó a los personajes de Melville, personajes de pocas palabras pero cuyo tormento va por dentro. Leo vuelve a los brazos de su familia que le espera en casa: su madre (Ellen Burstyn), su tia (Faye Dunaway), y su tio Frank (James Caan), segundo marido de su tia, que ha conseguido dar a la otra parte de la familia estabilidad economica, una estabilidad que nunca han tenido ni Leo ni su madre, que mas bien pertenecen a la raza de personas a quienes el destino siempre les juega malas pasadas, y que los hace aislarse mas y mas.

El comienzo de "The Yards" a mi me parece de lo mas fascinante: los planos del solitario e introvertido Leo viajando en metro de regreso a su casa, se van intercalando con las escenas de la fiesta de bienvenida que le estan preparando en su humilde apartamento y apenas en esos primeros minutos ya tenemos una idea clara de los personajes centrales entre los que destacan Willy Gutierrez (estupendo Joaquin Phoenix), el mejor amigo y compañero de fechorias de Leo que ha aprovechado bien la ausencia y el sacrificio del amigo: se ha situado en la empresa de Frank y está a punto de casarse con Erica (Charlize Theron), la prima de Leo. No me gusta enrollarme demasiado en los argumentos porque creo que en definitiva no son lo básico de una peli, no es lo que te acaba enganchando, por lo menos a mi, y en este caso concreto, el argumento de "The Yards" tampoco es el mas original del mundo. Leo regresa a casa queriendo enderezar su vida y cuidar de su madre y de la noche a la mañana se siente sumergido en una trama de corrupcion y asesinato que le convierten una vez mas en un ser esquivo y huidizo.

¿Porque me fascina tanto "The Yards"??

Por una parte es el retrato que Gray hace de sus personajes, de esa familia de tantos matices, con interpretaciones contenidas y escenas de lo mas intimas en ocasiones. Gray se concentra casi mas en en sus personajes que en la accion y le da a la pelicula un ritmo lento y pausado (que extraño en una pelicula americana), sus personajes casi no necesitan el dialogo para expresarse, la atmosfera que crea y la tension tan intima en algunos momentos es un don que muy pocos creadores tienen, en mi opinion. A estas alturas, con una peli como "The Yards" que tiene este argumento tan de cine negro, tan de accion en momentos, y que te la cuenten con este ritmo tan austero, nadando contra corriente en lo referente al tempo y que ademas consiga que la tension se pueda cortar con un cuchillo solo a traves de la mesurada maestria de Gray, a mi me parece todo un milagro.



Y en una peli como ésta, resulta completamente inutil rescatar una interpretacion por encima de otra, son todas unas interpretaciones brillantisimas. Incluso James Caan, que es un actor que siempre me ha parecido bastante mediocre, aqui está que se sale. Interpretaciones que como dije antes, tienen su base en la contencion, en una cierta austeridad. Casi todos son personajes desencantados y desesesperanzados e incluso los que parecen los mas fuertes, son los mas debiles. Un goce de pelicula la verdad.

El guion es una joya, no solo está muy bien escrita, sino que ademas está muy bien contada. Gray no inventa nada, y hay momentos en que notas que su padre espiritual es el Coppola de los 70 pero este joven director traza su propio camino. Y aunque no tengo ni idea de foto, siempre lo digo, cuando me pregunto quien será el dire de foto de una peli en concreto, oh tremenda casualidad, siempre llega Harris Savides a mi vida, casualides imagino.

Y por cierto, pocas veces las notas una banda sonora se habian identificado tanto con el estado de animo del personaje central, Leo, que grande es Howard Shore.

The hired hand (1971), de Peter Fonda

Hay pelis que te llegan rodeadas de un cierto prestigio (o no) y cuando las visionas parece que ya lleven un bagaje con el que tengas que batallar, sin embargo hay pelis que te llegan libres, sin informacion, sin ese "pretendido" reconocimiento, o por lo menos, si lo tienen, a ti no te habia llegado anteriormente. Esta peli que he visto muy recientemente pertenece al segundo grupo: no sabia nada de ella, ni sabia que fuera la opera prima de Peter Fonda, ni sabia de que iba ni nada de nada, y sin embargo me cautivo desde esa hipnotica primera escena, que es como un prologo: imagenes y musica (pocas veces una musica se ha compenetrado tanto y tan bien con unas imagenes) que describen perfectamente la esencia de los dos protagonistas masculinos.

El argumento es muy simple, Harry (Peter Fonda) lleva siete años deambulando y vagando en compañia de su amigo del alma Arch (Warren Oates), ambos son dos espiritus libres, que huyen de las ataduras, y ya en esta primera parte ocurre algo que a Harry le hace le hace sentirse culpable o consciente de alguna forma, de que el tenia otra vida antes de emprender este camino nomada. Siete años atras dejó una esposa y una hija y de repente decide volver a la granja que dejó atras, y vuelve, y lo que se encuentra puede que sea algo que hemos visto mil veces antes en otra peli del oeste pero desde luego la forma en que los personajes de Fonda van resolviendo las circunstancias de su vida, no tienen nada que ver con otros que hayamos podido ver antes en alguna peli del mismo genero.

Desde el primer momento, esta peli se va deslizando suavemente a medida que sus personajes se nos van revelando, ricos y muy complejos, hay muchas cosas que no se dicen literalmente pero el espectador va captando entre lineas, y van evolucionando sin que apenas nos demos cuenta. El lazo afectivo de los dos amigos ni siquiera se ve alterado cuando llegan a la granja y aparece el personaje femenino, el de la esposa, aunque bajo la superficie aparentemente calmada, si que hay una inquietante tension. El personaje de Verna Bloom es un soplo de aire fresco en relacion al arquetipo de mujer al que estamos acostumbrados en cualquier peli del oeste o por lo menos con unos angulos que la convierten en una mujer libre a pesar de las ataduras a las que esta sujeta, es seca, totalmente sincera y a su manera mucho mas honesta que ellos.

Quizas una de las cosas que mas me hayan fascinado en esta peli haya sido la fuerza de las imagenes de Vilmos Zsigmond, esa forma de retratarnos el oeste, muy lirica pero violenta en momentos muy puntuales, y el montaje, que la verdad es que no entiendo de estos detalles tecnicos, pero hay momentos en que estos hombres parece que mas que cabalgando fueran flotando sobre nubes o sobre el agua.
Viendo "The hired hand" no puedes mas que preguntarte, cuantas joyas del cine hay todavia por ahi escondidas.

Birth (2004), de Jonathan Glazer

Otra peli que me perdi en su dia por mis prejuiciosss, prejucios que tenia contra esta peli no sé porque, porque a Jonathan Glazer, el director, no le conocia y porque a mi la Kidman me gusta como actriz, pero me imagino que debia ser por la mala publicidad que me llegó de esta peli y que despues de verla está claro que lleva a engaño, por el trailer que te la vendia como algo que no era, y por no sé que abucheos en su dia en Venecia..., bueno no recuerdo ya, pero algo de eso debia ser, y si la he visto es porque un buen amigo mio casi me obligó a verla ¿y con que me encuentro?? Pues me encuentro con una joya, con una de las mejores pelis del 2004.

Anna (Nicole Kidman) ha perdido a su marido, una experiencia que a lo largo de la peli se demuestra que ha sido algo muy traumatico para ella. Diez años despues cuando está a punto de casarse de nuevo, aparece otro Sean en su vida, pero es un niño de diez años y que para su confusion dice ser su marido y le exige que no vuelva a casarse. El argumento puede que sea una tonteria, un tema absurdo, fantastico o medio esoterico, que quizas no haya por donde cogerlo, pero con pelis como ésta, tengo la prueba mas que palpable que a la larga el argumento a mi me importa un pimiento, si me la cuentan bien y me seduce, me lo creo todo. Glazer me seduce por lo radical de su planteamiento, porque huye de los convencionalismos, pero especialmente por la forma en que me la cuenta y porque con una sutileza apabullante, casi sin que lo percibas, te va haciendo un estudio sobre la alta clase neoyorquina, sobre el estilo de vida de Anna , una viuda acomodada, culta y que tras la muerte de su marido se ha construido un mundo de lo mas seguro (sobre todo seguro emocionalmente) y desde luego que las imagenes te lo van demostrando escena a escena y ahora pensandolo, casi diria, que las imagenes de esta peli te dan mas informacion que los dialogos, una puesta en escena que me ha recordado a la serenidad de Shyalaman, y a la fria austeridad de Kubrick.

Una pelicula ademas, que mas que girar en torno a un argumento fantastico, gira en torno a los fantasmas del pasado, a los recuerdos y sobre todo a liberar las emociones largo tiempo reprimidas. No solo tendria que destacar aqui el trabajo de la Kidman, que en mi opinion es la mejor interpretacion que ha tenido nunca (alucinante como aguanta el primer plano en la escena en la opera) sino ademas el trabajo de Harry Savides, vaya atmosfera helada y enigmatica que consigue crear a traves de sus imagenesss...

Una peli que recomiendo totalmente y que a mi me fascinó desde el mismo prologo inicial, nevado y serenisimo

Asphalt (1929), de Joe May

"Asphalt" me parece uno de los casos mas injustos de obra maestra olvidada, y de director casi nunca tenido en cuenta cuando se habla de los grandes del cine mudo. Siempre se acaba hablando de los mismos títulos de siempre, así que aquí estoy ya para darle publicidad a Joe May y su "Asphalt" ;-))))
"Asphalt" comienza en forma de documental: unos hombres martilleando el asfalto, retazos del día a día de una ciudad que irá sumergiendo al espectador en el corazón de Berlin y más concretamente de su avenida más céntrica y populosa, la Kurfürstendam: la noche, el intenso tráfico, las luces de neón centelleando, la multitud moviéndose como un hormiguero; pero éste es solo el prólogo de la peli, un prólogo con el cual Joe May, su director, nos está mostrando una ciudad muy viva, una ciudad cuyo pulso en continuo movimiento es el personaje principal de esta película...
Cuando la peli arranca somos testigos de cómo Albert Holk (Gustav Fröhlich), un joven atractivo y aparentemente abierto y despreocupado, se prepara para ir a trabajar portando orgulloso su uniforme de policía. Poco después, cuando ya casi ha anochecido, le vemos sumergido en el tráfico berlinés porque se dedica precisamente a dirigir el intenso tráfico en el corazón de este Berlin noctámbulo. Después de observarle un largo instante, la cámara se aleja del punto donde continúa su labor Albert y va recorriendo la ajetreada avenida en una larga secuencia, deteniéndose a observar algún punto de la multitud, luego recorriéndola de nuevo, como si ella misma fuera un personaje deambulando y tomándose su tiempo: una cámara que con su recorrido por esta avenida se muestra como un espectador curioso... (qué gran momento éste en la peli) para finalmente llegar a través de un maravilloso travelling, muy lentamente, a la cristalera de un escaparate; se mantiene algo distante y cuando parece que encuentra algo de su interés en el interior de ese escaparate, que resulta ser una joyería, se acerca y un segundo después conocemos a Elsa Kramer (Betty Amann) que sentada frente al dueño de la joyería está robando con suma elegancia un diamante, y todo esto frente a las narices del dueño. Poco después y cuando ya se encuentra fuera de la joyería, a punto de diluirse entre la multitud de las calles, Albert se ve obligado a dejar sus rutinarios quehaceres controlando el tráfico y correr para arrestarla y llevarla a la comisaría.
El argumento es el más viejo del mundo y también el más trillado en futuras pelis del cine negro: cómo una femme fatale utiliza todas sus armas para seducir a un estricto policía y así librarse de la cárcel. Sin embargo, aunque sea una historia mil veces vista, la forma en que Joe May nos va sumergiendo en esta seducción, poco a poco se va convirtiendo en una seducción en sí misma por parte de la película hacia el espectador, quien asiste casi hipnotizado a la historia de la atracción entre esta pareja.
Desde el mismo momento en que aparecen por primera vez juntos la sofisticada y refinada ladrona y el envarado policía, se palpa la poderosa química que se desarrolla entre ellos en la pantalla. Y desde el momento en que Elsa sube al coche arrestada, muy conscientemente intenta usar todas sus armas para despertar la compasión del rígido policía: llora, miente, ruega y flirtea descaradamente para intentar convencerle de que es una pobrecita que va a ser echada del piso por no pagar el alquiler, pero viendo a Elsa y su refinada elegancia sabemos que de pobrecita tiene bien poco. Como no consigue que Albert se ablande ni un poquito, le convence para que la acompañe a su apartamento y así buscar sus documentos de identidad. Es allí en el espacioso apartamento de ella cuando asistimos al cénit de esta película. Albert entra en ese apartamento sumamente desconfiado, casi consciente ya a estas alturas de que va a caer bajo las redes de una mujer a la que desprecia, y quizás uno de los momentos más atractivos de esta peli es cuando la cámara hace un barrido por la casa, la recorre lentamente convirtiéndose en los ojos de Albert que analizando este espacio físico quiere hacerse una idea aproximada de cómo vive esta mujer, de quién es y de si su desconfianza hacia ella es acertada o no. Es aquí cuando Elsa desesperada, después de haber intentado mil y una tretas para ablandarle, hace uso de su último cartucho y se lanza literalmente a sus brazos, desesperada, humillándose, en una de las escenas de atmósfera de más cargado erotismo que yo haya visto una peli, y Joe May acaba esta escena de tórrida sensualidad filmando las piernas de ambos casi como si fueran sus rostros besándose.
Joe May, a pesar de no ser un nombre conocido, fue uno de los directores y productores más creativos y de más talento del cine alemán, solo hay que ver "Heimkehr", puro melodrama pero sin algarabías empalagosas, o "La tumba india", superproducción donde aborda el cine de aventuras, y gracias a la cual se conocen Fritz Lang y Thea von Harbou que colaboraron en su guión, pero a mi entender donde más y mejor demuestra su talento es en esta "Asphalt". Convierte una historia de lo más simple en una película valiente, arriesgada formalmente y llena de recursos visuales donde la cámara es la que define los matices de la personalidad de sus personajes y es a través de su danza como a veces conseguimos penetrar hasta en los más escondidos pensamientos de éstos; apenas hay actores y sin embargo todo está perfectamente vivo y en continuo movimiento. Todo fluye de una forma que solo te puede recordar a una peli de Ophüls, y los juegos de luces y sombras y la iluminación nos empapan de la atmósfera más adecuada para la cargada tension sexual que traspasa la pantalla.
May no necesita de demasiados intertítulos para explicar lo que ocurre frente a nosotros y entre los dos protagonistas, ya que su trabajo de puesta en escena es más visual que otra cosa. El conflicto interno en el que se debate Albert, en lucha continua entre su integridad y la atracción física por Elsa, una mujer a la que desprecia, está perfectamente descrito a través de todos los matices que Gustav Fröhlich y la guapísima Betty Amann les dan a sus personajes, y por otra parte, aquí no hay ni rastro del envaramiento al que nos tenían acostumbrados los actores del cine mudo; las interpretaciones fluyen con una naturalidad y una calma que se mimetizan a la perfección con la fluidez del trabajo de la cámara.
Melodrama realista, y casi minimalista en el sentido que la acción se concentra en poquísimos personajes y en habitaciones muy desnudas, es una de mis pelis favoritas de siempre. Mezcla con extraordinaria simplicidad unos exteriores realistas y semidocumentales con unos interiores muy expresionistas y donde el trabajo de cámara y de iluminación consiguen la atmósfera perfecta para que puedas entender a estos personajes en continua lucha consigo mismos.

Ode (1999), de Kelly Reichardt

Cartel de Todd Haynes para la pelicula

En 1967 Bobbie Gentry popularizó una cancion escrita por ella, "Ode to BillyJoe", que se convirtió en una especie de leyenda, y quizas lo que no saben aquellos que conozcan la cancion es que su letra está sacada de un episodio de la vida personal de Bobbie Gentry. Años despues, el novelista Herman Raucher, amigo personal de la cantante, se inspiró en ella y adaptó esta cancion en una novela poniendo de su cosecha y dando una explicacion al misterio que surgia de la cancion.

No conocia la cancion ni habia leido la novela pero hace unos dias meencuentro con una nueva reinvencion de esta historia, en este caso apoyada en la novela de Herman Raucher, y la directora, Kelly Reichardt, consigue crear una pequeña y gran pelicula de apenas 50 minutos que es capaz de atrapar la esencia de lo que es el primer amor de una forma que pocas veces he visto en cine: Terrence Malick lo consigue con su "Malas Tierras" y Elia Kazan tambien lo conseguia en "Esplendor en la hierba", y con "Ode", Kelly Reichardt en mi opinion, tambien llega a ese altisimo nivel apenas en un suspiro que se pasa volando.

La pelicula empieza con una adolescente volviendo a casa caminando despuesde las clases; no sabemos nada de ella pero en cuanto llega al jardin de casa recibe una noticia relacionada con Billy Joe, un chico al que parece conocer, una noticia que a nosotros como espectadores nos deja casi indiferentes al igual que a los padres de ella, pero no a ella segun la expresion de su cara. A continuacion Bobbie Lee retrocede en sus recuerdos y durante los siguientes 48 minutos se sucede un maravilloso y magico flashback de los recuerdos de la adolescente, su relacion secreta con BillyJoe, sus encuentros junto al rio, sus conversaciones y el lazo que va surgiendo entre ellos. El unico conflicto que parecen tener estos adolescentes es el hecho de tener que verse a escondidas debido a la estricta familia de Bobbie Lee, su padre un pastor baptista le tiene prohibida a su hija verse con chicos a menos que pertenezcan a su circulo, sin embargo el conflicto inicial, quizas algo banal, revierte en algo mascomplejo y que hace trizas de alguna forma el mundo de ambos.

Asi a simple vista, es la tipica historia del primer amor pero la grandeza de ciertos autores está en dotar de originalidad historias manidas, de dar tanta personalidad y tanta autenticidad a estas historias mil veces contadas, que parece que fuera la primera vez que se cuentan; Kelly Reichardt filma este mediometraje en super 8, con su camara siempre a ciertadistancia cuando estan juntos, filmando casi sin querer el fascinante paisaje que aflora en el delta del Mississippi, oteando tras las ramas de los arboles como si le diera pudor molestarlos invadiendo su intimidad pero cuando la camara de la Reichardt se acerca, lo hace de la forma mas natural del mundo: la autenticidad que destila cada fotograma, y la naturalidad decada una de las conversaciones de estos chicos es quizas lo mas emocionantede esta pelicula.Y cuando llega el final de esta pelicula, vuelve a repetirse la escena inicial, la llegada a casa caminando de esta adolescente y vuelven a darle la noticia del principio, misma escena repetida pero ya es una escena que no puede dejarnos indiferentes como al principio porque ahora si conocemos aBilly Joe, y tenemos la misma capacidad para emocionarnos que Bobbie Lee y nos sentimos tan impactados como ella. Esta es la grandeza de "Ode", KellyReichardt consigue llevar al espectador a su terreno apenas en 50 minutos,sin estridencias, sin alboroto, con un lirismo arrebatador.