Let us go in, the fog is rising

Mis Favoritas de Diciembre

2011-12-31T09:22:00.004Z

Antes de publicar mi última lista de favoritas del 2011, queria agradeceros a todos por las vuestras, gracias a ellas he podido descubrir peliculas estupendas, que es de lo que se trata... ¡¡Feliz 2012 y mucho cine!!!

1. Young Bess, 1953, George Sidney

2. The Letter that was never sent, 1959, Mihail Kalatozov

3. Scherben, 1921, Lupu Pick

4. Las Perlas de la Corona, 1937, Sacha Guitry

5. The Man from Majorca, 1984, Bo Widerberg

6. Habemus Papam, 2011, Nanni Moretti

7. Don't go breaking my heart, 2011, Johnnie To

8. Margin Call, 2011, J.C. Chador

9. Incendies, 2010, Denis Villeneuve

10. Alfred Hitchcock

The Ring, 1927

Number Seventeen, 1932

11. Muta, 2011, Lucrecia Martel

12. Cave of Forgotten Dreams, 2011, Werner Herzog

13. La Pacifista, 1971, Miklos Jancso

Mis Favoritas de Noviembre

2011-11-30T21:45:00.008Z

1. Le Havre (2011, Aki Kaurismaki)

2. Velikiy Uteshitel (1933, Lev Kuleshov)

3. Budd Boetticher

The Tall T (1957)

Seven Men From Now (1956)

4. Dante's Inferno (1967, Ken Russell)

5. Il Fuoco, (1916, Giovanni Pastrone)

6. Tretya Meshchanskaya (1927, Abram Room)

7. Unter Dir Die Stadt (2010, Christoph Hochhäusler)

8. Cold Fish (2010, Sion Sono)

Mis Favoritas de Octubre

2011-10-29T19:26:00.006+01:00

1. Enoch Arden (1911, David W. Griffith)

2. Benjamin Smoke (2000, Jem Cohen/Peter Sillen)

3. Franco Piavoli

Nostos, Il Ritorno (1990)

Al primo soffio di vento (2002)

4. Raymond Depardon

La captive du désert (1990)

Un homme sans l'Occident (2002)

5. Dillinger e morto (1969, Marco Ferreri)

6. Drive (2011,Nicolas Winding Refn)

7. Pleasures of the Flesh (1965, Nagisa Oshima)

8. Kureyoshi Kurahara

Intimidation (1960)

Thirst for Love (1967)

9. Dreileben- Etwas Besseres als den Tod (2011, Christian Petzold)

10. Dreileben- Eine Minute Dunkel (2011, Christoph Hochhäusler)

11. Dreileben- Komm mir nicht nach (2011, Dominik Graf)

Mis Favoritas de Septiembre

2011-09-30T17:48:00.006+01:00

1. The Tree of Life (2011, Terrence Malick)

2. Inazuma (1952, Mikio Naruse)

3. La Redevance du Fantôme (1965, Robert Enrico)

4. Mayak (2006, Maria Saakyan)

5. La piel que habito (2011, Pedro Almodovar)

6. Mademoiselle Chambon (2009, Stephane Brizé)

7. Hanno cambiato faccia (1971, Corrado Farina)

8. Two Flags West (1950, Robert Wise)

9. Melancholia (2011, Lars von Trier)

10. Maimai Shinko to Sen-nen no Maho (2009, Sunao Katabuchi)

Mis Favoritas de Agosto

2011-09-01T22:26:00.004+01:00

1 Akitsu Springs, 1962, Yoshishige Yoshida

2 Sonnenstrahl, 1933, Pal Fejos

3 Alfred Hitchcock

Blackmail (1929)

The Manxman (1928)

4. Princess Arete, 2001, Sunao Katabuchi

5. Road to Nowhere, 2010, Monte Hellman

Mis Favoritas de Julio

2011-08-02T17:03:00.006+01:00

1. Johann, 1921, Mauritz Stiller

2. Film ou Visa de Censure Nr.X, 1967, Pierre Clementi

3. Jean Gremillon:

Gueule d' amour (1937)

L'amour d'une femme (1954)

4. Mockery, 1927, Benjamin Christensen

5. L'homme qui ment, 1968, Alain Robbe-Grillet

6. La Morte Vivante, 1982, Jean Rollin

Mis Favoritas de Junio

2011-07-01T17:21:00.012+01:00

1. Agathe et les lectures illimitées, 1981, Marguerite Duras

2. Alice, 1988, Jan Svankmajer

3. Remorques, 1941, Jean Gremillon

4. Westfront 1918, 1931, Georg W. Pabst

5. Stella Polaris, 1993, Knut Eric Jensen

6. La Boheme, 1926, King Vidor

7. Die Gezeichneten, 1922, Carl T. Dreyer

8. The Winning of Barbara Worth, 1926, Henry King

9. Jeanne Eagels, 1957, George Sidney

10. Karigurashi no Arriety, 2010, Hiromasa Yonebayashi

11. El niño de la luna, 1989, Agusti Villaronga

12. Hanna, 2011, Joe Wright

Mis Favoritas de Mayo

2011-05-31T17:17:00.003+01:00

1 A Torinoi Io (The Turin Horse), 2011, Bela Tarr

2. Lightning strikes twice, 1951, King Vidor

3. Il giardino delle delizie (1967, Silvano Agosti)

4. Kawaita Hana (Pale Flower), 1964, Masashiro Shinoda

5. La ville des pirates, 1984, Raoul Ruiz

6. Way of a Gaucho, 1952, Jacques Tourneur

7. Women in love, 2011, Miranda Bowen

8. Supernatural, 1933, Victor Halperin

9. Young man with a horn, 1951, Michael Curtiz

10. Sandra, 1964, Luchino Visconti

When I Met My Muse...

2011-05-03T18:57:00.028+01:00

O Muses, O high genius, aid me now!
O memory that engraved the things I saw,
Here shall your worth be manifest to all!
(Dante Alighieri, in Canto II of The Inferno)

Oh, for a Muse of fire, that would ascend

The brightest heaven of invention

A Kingdom for a stage, princes to act,

And Monarchs to behold the swelling act!

(William Shakespeare, Prologue, Henry V)

Mis Favoritas de Abril

2011-05-01T10:08:00.012+01:00

1. Orlacs Hände (1924, Robert Wiene)

2. Raffaello Matarazzo:

Catene (1949)

Treno Popolare (1933)

3. Mai Zetterling:

Älskande Par (1964)

Nattlek (1966)

4. Jujiro (1928, Teinosuke Kinugasa)

5. The Story of Temple Drake (1933, Stephen Roberts)

6. Las extraordinarias aventuras de Mr.West en el pais de los bolcheviques

(1924, Lev Kuleshov)

7. Sicilia! (Jean-Marie Straub/Daniele Huillet)

8. La Rupture (1970, Claude Chabrol)

9. Pieges (1939, Robert Siodmak)

10. Naplo gyermekeimnek (1982, Marta Meszaros)

11. Kocar do Vidne (1966, Karel Kachyna)

12. Uomo di Paglia (1958, Pietro Germi)

13. The Magician (1926, Rex Ingram)

"Le Orme" (1975), de Luigi Bazzoni

2011-04-19T20:03:00.012+01:00

También conocida como “Pisadas en la luna” en castellano o “Footprints” en inglés, tengo que admitir que esta película de Luigi Bazzoni que me ha fascinado de muchas maneras, me resulta un tanto difícil de catalogar. Aunque es cierto que está encuadrada dentro del subgénero del giallo, también lo es el hecho de que no tiene casi ninguno de los poderosos detalles que pueden caracterizar una película que forme parte de este subgénero: aquí en “Le Orme” no vamos a ver desnudos, ni escenas sangrientas, ni siquiera una sucesión de asesinatos, y por supuesto tampoco se caracteriza por tener una banda sonora llamativa y altisonante. Tampoco y como la mayoría de las películas giallo es una película de terror al uso, sino más bien un thriller que se mantiene con larguos planos secuencia que sostienen y dosifican perfectamente un suspense que va in crescendo.

“Le Orme” es ante todo un drama psicológico con un personaje femenino central intentando retener una estabilidad mental que se se le va escapando poco a poco y por eso quizás me recuerde tanto a “Images” de Robert Altman y a tantas otras películas, otro subgénero a mi entender, donde un personaje femenino central se debate entre la la realidad y los sueños, o entre esa frágil línea entre realidad y locura. Aquí en este caso es quizás mucho mas fascinante este hecho porque el tema central es la memoria y la percepción que tenemos de ella.

Florinda Bolkan interpreta a Alice Berti una traductora portuguesa que vive en Roma y que una mañana, justo al comienzo de la película, se despierta con fragmentos de su vida perdidos: es incapaz de recordar que ha sido de su vida durante los últimos días. Alice siempre ha vivido algo atormentada por unos sueños recurrentes que se repiten continuamente y que le producen insomnio: el de un astronauta al que dejan abandonado en la luna y que puede tener relación con un programa de televisión visto en su infancia. A su llegada al trabajo descubre que ha sido sustituida porque ha sido dada por desaparecida durante días. A raíz de este momento y de una postal que encuentra en la cocina de su casa, y única pista que la emparenta con sus últimos días perdidos, decide ponerse en marcha y viajar a Garma, una isla en Turquia para unir las piezas de estos días que no consigue recordar.

¿Es Alice una mujer a la búsqueda de si misma o realmente esta perdiendo toda nocion de la realidad y de su estabilidad mental? Lo que realmente me fascina de esta película arrebatadora de Luigi Bazzoni es la estilizada puesta en escena toda ella al servicio del misterioso personaje de Alice y su perdida de memoria. Es ante todo una película atmosférica, de largos silencios, de momentos perdidos en bosques, en edificios abandonados o en sueños surrealistas. Hay una continua mezcla de momentos oníricos, con la realidad mas calmada en forma de flashbacks muy atractivos y por supuesto la fotografía de Vittorio Storaro encaja como un guante en esta película muy desconocida. La sensación de paranoia que va envolviendo al personaje de Alice, también se va apoderando del espectador hasta el punto que las piezas vayan encajando.

Una película visualmente arrebatadora, de atmosfera calmada y envolvente que esconde un trasfondo fascinante por lo complejo: la mente humana y la fina línea que la aleja o acerca a la realidad.

Mis Favoritas de Marzo

2011-03-31T20:30:00.006+01:00

1 Joao Cesar Monteiro

Silvestre (1982)

A Flor do Mar (1986)

2. Vasha Znakomaya (1927, Lev Kuleshov)

3. Beau Brummel (1924, Harry Beaumont)

4. Pietro Germi

Gelosia (1953)

Sedotta e abbandonata (1964)

5. Essential Killing (2010, Jerzy Skolimowski)

6. Edgar Neville

Nada (1947)

Domingo de Carnval (1945)

7. Unheimliche Geschichten (1919, Richard Oswald)

8. Tempest (1928, Sam Taylor)

9. La femme et le pantin (1929, Jacques de Baroncelli)

10. Raja (2003, Jacques Doillon)

11. Another Year (2010, Mike Leigh)

Mis Favoritas de Febrero

2011-02-27T12:29:00.004Z

1. Tournée (2010, Mathieu Amalric)

2. Visages des Enfants (1925, Jacques Feyder)

3. Brennendes Geheimnis (1933, Robert Siodmak)

4. Thérèse (1986, Alain Cavalier)

5. Red Dust (1932, Victor Fleming)

6. Madamigella du Maupin (1966, Mauro Bolognini)

7. Foolish Wives (1922, Erich von Stroheim)

8. Sadie Thompson (1928, Raoul Walsh)

9. El Ilusionista (2010, Sylvain Chomet)

10. Himmel ohne Sterne (1955, Helmut Käutner)

11. Pociag, (1959, Jerzy Kawalerowicz)

Po Zakonu (1926) de Lev Kuleshov

2011-02-19T17:43:00.011Z

Me ocurre a veces que viendo los primeros minutos de una película tengo la certeza absoluta de que esta película se mantendrá firme y luminosa hasta el final, y me pasa pocas veces es cierto, pero en esta película muda rusa, de un cineasta del que hasta ahora no había visto nada, se cumplió esa intuición hasta el final. "Po Zakonu" traducida como "Bajo la ley", es una adaptación de un relato de Jack London “The Unexpected”, que se desarrolla en plena fiebre del oro a las orillas del Yukon. Lo más impresionante de esta obra de Kuleshov no es sólo su fascinante estilo visual, sino la forma en la que controla la tensión a través del montaje basado en primeros planos y en la atención en detalles aparentemente insignificantes que la hacen dosificar el suspense hasta el mismo final: el hielo resquebrajándose alrededor de una cabaña solitaria, las orejas de un perro aguzándose al sonido de la música o los restos abandonados de comida en un plato, son precisamente los detalles y los momentos en los que esta película tan atractiva se hace grande.

La historia de “Bajo la ley” se sitúa en un remoto paraje del Yukon donde un grupo de cinco personas vive en perfecta armonía hasta que aparece el descubrimiento del oro. El comienzo de esta película es ya en si mismo de lo más atractivo porque al mismo tiempo que un nuevo dia va naciendo, Kuleshov nos va presentando a cada uno de estos personajes en una armónica rutina matutina. El descubrimiento aquella mañana de un oro que hasta ahora se les había resistido cambia el hasta ahora estilo naturalista con que había comenzado la historia y la película se va convirtiendo en una especie de pesadilla claustrofóbica donde unos personajes se ven obligados a tomar decisiones limite encerrados en una cabaña donde el invierno se alarga más de lo previsto y convirtiendo esta cabaña en todo un universo de situaciones limite.

Otro de los logros de esta maravillosa película está en sus actores, y especialmente en su protagonista femenina interpretada por Aleksandra Chochlova, una actriz perfectamente capaz de mostrar innumerables matices y un personaje femenino que toma las riendas de esta supervivencia tan activamente como cualquiera de los personajes masculinos, única mujer en un mundo de hombres curtidos por una naturaleza impenetrable.

Una película que demuestra claramente lo vanguardista y lo libre que fue el cine ruso de esa época. “Po Zakonu” no es solo una película visualmente fascinante sino además una obra donde cada una de las piezas encajan perfectamente y donde sus personajes se mimetizan perfectamente con la naturaleza que los rodea, salvaje e incontrolable, y muchas veces implacable.

Mis Favoritas de Enero

2011-01-30T22:53:00.011Z

1. Mercurio, 2010, Sandro Aguilar

2. Ningen Johatsu, 1967, Shoei Imamura

3. Le nouveau testament, 1936, Sacha Guitry

4. Der Mörder Dimitri Karamasoff, 1931, Erich Engels/Fyodor Otsep

5. Unter den Brücken, 1945, Helmut Käutner

6. The Little Mermaid, 1976, Karel Kachyna

7. Die Goldene Stadt, 1942, Veit Harlan

8. Cagliostro, 1949, Gregory Ratoff/Orson Welles

9. Der Räuber, 2010, Benjamin Heisenberg

10. I take this woman, 1940, WS Van Dyke, Frank Borzage, Josef von Sternberg

11. Toter Mann, 2001, Christian Petzold

12. Animal Kingdom, 2010, David Michod

Mis Favoritas de Diciembre

2010-12-28T19:02:00.020Z

1. Misterios de Lisboa (2010), Raoul Ruiz

2. Robert Frank:

Ok End Here (1963)

The Sin of Jesus (1961)

3. Meek's Cutoff (2010), Kelly Reichardt

4. Jan Troell:

Los Emigrantes (1971)

La Nueva Tierra (1972)

5. Rapt (1934), Dimitri Kirsanoff

6. Somewhere (2010), Sofia Coppola

7. Orly (2010), Angela Schanelec

8. Film Socialisme (2010), Jean Luc Godard

9. A Religiosa Portugesa (2009), Eugene Green

10. Poetry (2010), Lee Chang-Dong

11. ¡Vivan los novios! (1970), Luis Garcia Berlanga

12. Victor Erice: Paris-Madrid Allers-Retours (2010), Alain Bergala

13. Sei donne per l' asesino (1964), Mario Bava

En esta última lista del año, se concentran también muchas de las peliculas que entrarian en mi Top de lo Mejor del 2010, muchas peliculas maravillosas vistas en este último mes, y de la cual tengo que destacar por encima de cualquier otra, la fascinante joya de Raoul Ruiz. Agradeceros a todos que hayais compartido en este pequeño rincon, vuestras listas para que asi todos podamos disfrutar e investigar nuevos terrenos. ¡¡Feliz 2011!!

Mis Favoritas de Noviembre

2010-12-01T18:21:00.012Z

1. Die freudlosse Gasse (1925), G.W.Pabst

2. Iwashigumo (1958), Mikio Naruse

3. Uwasa no onna (1954), Kenji Mizoguchi

4. Die linkshändige Frau (1978), Peter Handke

5. A Valparaiso (1962), Joris Ivens

6. Hahaha (2010), Hong Sang-Soo

7. L'Enfer de Henri Georges Cluzot (2009), Serge Bromberg/Ruxandra Medrea

Mis Favoritas de Octubre

2010-10-31T10:22:00.015Z

1.Die Liebe der Jeanne Ney (1927), Georg W. Pabst

2.The Matinee Idol (1928), Frank Capra

3.Le pere de mes enfants (1929), Mia Hansen Love

4.Now, Voyager (1942), Irving Rapper

5.Kokoro (1955), Kon Ichikawa

6.Ladies of Leisure (1930), Frank Capra

7.Lourdes (2009), Jessica Hausner

8.The Secret of Kells (2009), Tomm Moore and Nora Twomey

9.Viaje a la Prehistoria (1955), Karel Zeman, Fred Ladd

10.The World of Suzie Wong (1960), Richard Quine

11.Mandalay (1934), Michael Curtiz

12.A travers la fôret (2005), Jean-Paul Civeyrac

Nosotros no envejeceremos juntos (1972), de Maurice Pialat

2010-10-02T13:04:00.001+01:00

No sé bien porque me gusta tanto Pialat, pero viendo esta última que voy a comentar, llegué a la conclusion de que quizás sea por lo autenticas que son, porque no hay absolutamente ninguna escena banal o superficial en ellas, y porque se nota que Pialat se deja la piel y las emociones en ellas; no le importa tanto la belleza visual de sus imagenes como poder mostrarnos el interior de sus personajes de la forma mas integra y honesta posible. Pocas veces he visto a un cineasta desnudarse tanto y despojarse de todo lo que lleva dentro sin pudor alguno, no solo en esta "Nosotros no envejeceremos juntos" que es totalmente autobiografica (adaptacion de una novela autobiografica suya), sino incluso en "Van Gogh" y en "La Infancia desnuda". Es un estado y una atmosfera que se palpan: son peliculas secas y directas, sin ninguna concesion, pero al mismo tiempo el mundo de las emociones se desborda en momentos muy puntuales.

La historia de "Nosotros no envejeceremos juntos" ya en su titulo, que a mi me parece hermosisimo por todo lo que implica y que ya en sí es una demostracion de la forma en que Pialat se desnuda emocionalmente, empieza donde muchas historias de amor terminarian despues del famoso happy end. Jean (Jean Yanne) es un cineasta irascible, violento, descontento y desilusionado de todo (retrato del propio Maurice Pialat) que lleva seis años con su amante, Catherine (Marlene Jobert), una mujer muy cambiante, incapaz de conservar un empleo, algo inmadura e infantil. La historia empezaria donde muchas pelis terminan, tras años de relaciones empieza la desintegracion y tras los años de pasion, Pialat comienza a retratar el comienzo de una separacion, del alejamiento de uno y otro, pero sin que esos personajes quieran esta desintegracion y combatiendola como pueden, con uñas y dientes. Ambos se resisten de la unica forma que saben: Jean con sus ataques verbales y a veces fisicos, y ella con su comportamiento de niña pequeña, alejandose pero al rato volviendo porque es incapaz de alejarse del todo de su dependencia.

De las peliculas que he visto que retraten este tema de la desintegracion de la pareja, las que hasta ahora mas me habian impactado eran la famosa "Secretos de un matrimonio" de Bergman y "La mujer que llora" de Jacques Doillon, sin embargo tengo que decir que ninguna me habia llegado tanto como esta pelicula de Pialat. Me conmueven muchas escenas que son ademas muy fuertes y violentas sobre todo por las emociones, pero los personajes que ves en la pantalla te llegan al alma y los entiendes y te atrapan. Pialat nos retrata plano a plano el desgaste de una relacion, de la imposibilidad de que esa forma de vida se pueda eternizar. Personajes fascinantes en el sentido de los matices: Jean, el personaje fuerte y pilar durante la mayor parte de la pelicula, llegado un momento se convierte en el personaje mas vulnerable y desprotegido, y Catherine, que habia sido la niña dependiente, es quien llegado un momento se convierte en el pilar.

En esta pelicula hay una escena maravillosa entre Jean y su esposa, Francoise. Estan separados pero tienen una relacion estupenda quizas porque ya no les ate el amor y la pasion violenta. Sus escenas son fascinantes porque cuando Jean está con su esposa, se convierte en el niño que necesita una cierta proteccion y en esta escena tan reveladora que digo, Francoise, sin acritud, es testigo del momento en que Jean toca ya fondo. Y rescato un par de frases de una larga conversacion que a mi me llegaron al alma.

Jean: En "Ordet" hay un hombre que llora.
Francoise: ¿Porque?
Jean: Su mujer ha muerto.
Francoise: Cuando alguien nos deja, es como si hubiera muerto.
Jean: Es peor, porque sigue existiendo.

Creo que este podria ser el resumen del cine que hace Maurice Pialat: su cine es la vida misma, emociones que se desbordan y que vuelven a su cauce.

Mis Favoritas de Septiembre

2010-09-29T17:09:00.010+01:00

1. Mikio Naruse:

Yoru no nagare (Evening Stream,1960)

Onna no rekishi (A Womans Life, 1963)

Arakure (Untamed Woman, 1957)

2. Hai shang hua (Flores de Shangai, 1998), Hou-Hsiao Hsien

3. Copie Conforme (2010), Abbas Kiarostami

4. Lung Boonmee raluek chat (Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives) (2010), Apichatpong Weerasethakul

5. Adelheid (1969), Frantisek Vlacil

6. Onna no Mizuumi (La mujer del lago, 1966), Yoshishige Yoshida

7. Deception (1946), Irving Rapper

8. Frauen in NY (1978), RW Fassbinder

9. Chickamauga (1962) (Robert Enrico)

10. Romy, Portrait eines Gesichts (1966), Hans Jürgen Syberberg

11. Alice in Wonderland (1966, Jonathan Miller, BBC)

12. The Ghost Writer (2010), Roman Polanski

13. Svengali (1931), Archie Mayo

14. Der schöne Tag (2001), Thomas Arslan)

"Das Mädchen vom Moorhof" (1935), de Douglas Sirk

2010-09-15T09:24:00.008+01:00

Hacía tiempo que me apetecía adentrarme en la primera etapa de Douglas Sirk, etapa alemana en la UFA donde todavía era Detlev Sierck, su nombre real que a la llegada a Estados Unidos modificó. En general, la curiosidad evidente por saber cómo eran las primeras obras de ciertos directores alemanes no resultaron decepcionantes en los casos de Ophuls o Siodmak por citar dos ejemplos de cineastas por los que tengo una cierta debilidad, pero en el caso de Sirk tenía curiosidad por comprobar si su marcado estilo visual se veía venir de alguna forma.

“Das Mädchen vom Moorhof” es la adaptación de un relato corto de Selma Lagerlöf, una escritora de lo más popular en Alemania desde siempre aunque en España sigue siendo casi una total desconocida, y aquí Selma Lagerlöf construyó una de sus historias mas populares de la mano de su protagonista, Helga, una ingenua doncella caida en desgracia al quedarse embarazada del amo de la casa que la habia empleado.

Desde luego que el argumento mil veces visto del relato de Lagerlöf reúne todos los ingredientes para que uno de los cineastas que con el tiempo se convertiría en uno de los maestros indiscutibles de este género, comenzara a explorar todas las posibilidades que este género le ofrecía. Y tengo que decir que esta primera aproximación a las películas alemanas de Sirk me ha fascinado, porque ya aquí en esta película de 1935, está todo lo que vendría después en el mejor cine de Sirk y que se convertiría en su sello más personal. De la mano del personaje de Selma Lagerlöf, Sirk construye una heroína fuerte pero en continua lucha contra la hipocresía moral de la comunidad en la que vive o los perjuicios de la burguesía mas establecida, en este caso campesina.

Sin embargo, en esta película concretamente no me interesa tanto la temática sino la forma en que Sirk extrapola esta historia visualmente, que es lo que más me ha encandilado. Visualmente es una película magnifica y que expresa perfectamente ya quien era Sirk: sitúa a Helga en espacios abiertos, en completa soledad para autoafirmar su posición combativa frente a la mayoría, y se sirve de ciertos planos ya muy arriesgados para la época, para dejar su sello más personal ya impreso en esta película de 1935.

“Das Mädchen vom Moorhof” debió ser la primera aproximación de Douglas Sirk al melodrama, y ciertamente es una película hermosísima en todos los sentidos, pero sobre todo por su puesta en escena, donde ya se pueden adivinar ciertos momentos de sus películas más emblemáticas.

Mis Favoritas de Agosto

2010-09-01T17:11:00.006+01:00

1. "Anzukko", Mikio Naruse (1958)

2. "Haru no mezame", Mikio Naruse (1947)

3. "Saraba natsu no hikari", Yoshishige Yoshida, (1968)

4. "The lady vanishes", Alfred Hitchcock, 1938

5. "The Accused", William Dieterle, 1949

6. "Diplomatic Courier", Henry Hathaway, 1952

Estos meses de julio y agosto han sido bastante áridos no sólo por la poca cantidad de peliculas que he visto sino por la poca oportunidad a la hora de poder escribir sobre ellas. Espero mejorar a partir de septiembre...

Mis Favoritas de Julio

2010-08-01T08:24:00.008+01:00

1. The Salvation Hunters, (1925), Josef von Sternberg

2. Curtis Bernhardt

Conflict (1945)

High Wall , (1947)

3. Of Human Bondage, (1934), John Cromwell

White Material (2009), Claire Denis

Madame Bovary,(1933), Jean Renoir

Moulin Rouge, (1928), Ewald A. Dupont

Greenberg, (2010), Noah Baumbach

Johnny Apollo, (1940), Henry Hathaway

Michael Curtiz:

Pasaje a Marsella, (1944)

The Sea Wolf, (1941)

Mis Favoritas de Junio

2010-06-30T22:10:00.005+01:00

1. California (1946), de John Farrow

2. Love (1927) , Edmund Goulding

3. He ran all the way (1951), John Berry

4. The Kiss (1929), Jacques Feyder

5. Carlos (2010), de Olivier Assayas

6.The Sea Hawk (1940), Michael Curtiz

7. The Man I love (1945), Raoul Walsh

The Breaking Point (1950), de Michael Curtiz

2010-06-28T09:56:00.008+01:00

Un amigo tiene la teoria de que a Michael Curtiz le hizo más mal que bien ser el director de Casablanca porque cuando se menciona a Curtiz, haber sido el director de Casablanca ensombrece todo lo demás que hizo y casi solo se le conoce por haberla dirigido. El caso es que últimamente he tenido la ocasión de ver varias de sus peliculas y casi tendria que coincidir con esta teoria; Curtiz tiene autenticas joyas del cine de aventuras, del cine negro y siguen siendo muy desconocidas, subestimadas por el publico en general. Y cuando creia haber visto la que para mi era la mejor de sus peliculas, y que inclui en el top del mes pasado creo, The Unsuspected, ahora me encuentro con The Breaking Point, el ejemplo más claro del talento de Curtiz para llevar cualquier pelicula, cualquier encargo, a su terreno más personal.

“The Breaking Point” es la adaptación de un relato corto de Hemingway que ya habia sido llevado antes al cine por Hawks interpretado por Humphrey Bogart, “Tener y no tener”. Parece ser que esta segunda versión fue algo más fiel al relato original sobre todo profundizando en el terreno más social del contexto historico en que vivia Estados Unidos intentando recuperarse tras una guerra, y aquí el personaje protagonista, Harry Morgan, brillantemente y visceralmente interpretado por John Garfield, es un hombre que intenta a toda costa sacar a su familia adelante intentando sobrevivir a las duras condiciones economicas que le rodeaban.

Harry Morgan es el propietario de un barco de pesca, el Sea Queen, que sobrevive muy duramente alquilandolo a partidas de pesca privados. No solo tiene que luchar diariamente a la presión de que el barco le sea embargado sino ante la presión de su esposa que le intenta convencer un dia tras otro en que la seguridad economica está en cultivar lechugas en la granja de su padre. En una de estas partidas de pesca, Harry es traicionado por un cliente que desaparece sin pagarle y Harry se ve obligado a usar su barco para transportar ilegalmente inmigrantes chinos desde Mejico hasta California. Aquí empiezan los problemas de Harry, porque una vez sumergido en estos negocios turbios, se ve completamente engullido por los problemas.

Curtiz sitúa su historia en un pueblo pesquero y desde un primer momento nos sumerge en la vida familiar de su protagonista, un hombre desesesperado por mantener a su familia a flote a pesar de los contratiempos. El naturalismo de las primeras escenas me recordaron a Renoir y a Fritz Lang y aunque básicamente esta película es un noir, si es cierto que aquí hay una mezcla de muchos detalles lo que hacen esta película difícil de etiquetar en un genero determinado, los diálogos entre los diferentes personajes son directos, imprevisibles, arriesgados, cosa que me sorprendió mucho porque en mi opinión se salían un poco de lo típico del cine americano de la época al que estoy acostumbrada.

Y el detalle mas brillante para mi de esta extraordinaria película, es que puedes reconocer en The Breaking Point una de las pocas muestras del cine más social y mas contestatario del cine americano camuflado bajo un típico producto de Hollywood y prueba de ello, no es solo la vida familiar de Harry Morgan, con esas discusiones familiares con su esposa sobre el dinero y lo difícil de la supervivencia, sino la prueba más clara de esto es el contundente plano final, toda una declaración de intenciones. Encubierto bajo un aparente happy ending, Michael Curtiz estaba construyendo paralelamente uno de los planos finales mas hermosos y desesperados del cine americano.

Mis Favoritas de Mayo

2010-05-30T09:16:00.005+01:00

1. The Seventh Veil (1945), Compton Bennett

2. Carmen Jones (1954), Otto Preminger

3 Michael Curtiz:

The Unsuspected (1947)

Dr. X (1932)

4. Les herbes folles (2009), Alain Resnais

5. Allan Dwan :

The restless breed (1957)

The river's edge (1957)

6. Air Doll (2009), Hirokazu Koreeda

7.The Harvey Girls (1946) , George Sidney

"El grito" (1957), Michelangelo Antonioni

(Revision y ReDescubrimiento)

"El valle de las abejas" (Udoli vcel, 1967), de Frantisek Vlacil

2010-05-18T17:40:00.009+01:00

El mismo año que Frantisek Vlacil realizó “El valle de las abejas”, habia terminado a su vez la película que con el tiempo seria elegida la mejor película checa de todos los tiempos, “Marketa Lazarova”, una película que le costó a Vlacil cinco años poder llevar a término. “El valle de las abejas” se inició con la idea de poder usar la infraestructura de "Marketa Lazarova", sus decorados, vestuario, actores y resto del equipo, ya que tambien iba a a estar ambientada en la Edad Media, con lo cual tanto Vlacil como su guionista Vladimir Körner se pusieron manos a la obra y en un tiempo relativamente corto pudieron escribirla y rodarla, incluso antes de que que “Marketa Lazarova” completara el periodo su postproduccion.

Lo que me resulta sorprendente y al mismo tiempo fascinante de estas dos joyas de Vlacil es lo diferentes que resultan en puesta en escena: ambas peliculas aunque comparten la época en la que están ubicadas, en plena Edad Media, son totalmente diferentes a hora de abordar sus respectivas historias. Donde en “Marketa Lazarova todo parece más libre, más visceral, la narracion no es nada convencional y los usos del flashback pueden incluso llegar a ser algo caoticos, en “El valle de las abejas” es justo lo contrario.

Es inevitable que para hablar de esta película que me ocupa, empezara hablando de “Marketa Lazarova” porque como apunté mas arriba, ambas fueron rodadas el mismo año y porque aunque están muy cerca, están también formalmente muy lejos la una de la otra, lo que a mi entender acentúa la maestría de Vlacil. En “El valle de las abejas” todo es pura contención, su narración es totalmente lineal a pesar de algún flashback, y la camara tan radical de Marketa Lazarova, ahora se ha convertido en algo totalmente ortodoxo aqui .

Tan atractiva como su puesta en escena es la historia que nos narra Vlacil en “El valle de las abejas”. En pleno siglo XIII, Ondrej de Vlokov es ingresado por su padre en la orden de los caballeros de la cruz. Ondrej rechaza a la esposa adolescente de su padre en plena boda y su padre como castigo le hiere casi a muerte. Temiendo por la vida de su hijo, hace una promesa de sacrificarle a la Orden los cruzados si consigue salvarse. Este comienzo muy luminoso a pesar de la tragedia, se torna en algo oscuro y cerrado cuando Vlacil sitúa a su protagonista en el castillo donde se le ha destinado a vivir entregado a Dios, renunciando a todo porque solo a través del sacrificio puede llegar a Dios. La única vía de escape que parece encontrar Ondrej es la amistad con su amigo Armin von Heiden, un lazo que se irá estrechando con los años hasta que Ondrej decide huir y regresar a su tierra.

Donde realmente radica la fuerza de esta película tan atractiva de Frantisek Vlacil es en sus dos personajes protagonista. Ondrej se ha visto obligado a vivir dedicado a Dios debido al sentimiento de culpa de su padre, Armin parece haberlo elegido libremente y cuando su amigo huye, convierte su búsqueda en la razón de su vida. Armin se niega a la vida mientras Ondrej quiere volver a ella lo que podemos interpretar como la luz frente a la oscuridad de los tiempos de la Edad Media, o la lucha eterna de la fe frente a la duda; un cierto humanismo enfrentado a al dogma más cerrado. Ambos personajes son igual de complejos, igual de complementarios y porque no, ambos son igual de intolerantes cuando llegan al limite. Vlacil examina y revela el eterno conflicto entre dogma y humanismo, situándolo en plena Edad Media pero podría situarse en cualquier otra época, porque seguiría estando igual de presente y revelador; para ello Vlacil se sirve de un simbolismo recurrente y siempre relacionado con la naturaleza que va ayudando al espectador a situarse entre estos dos personajes fascinantes: el sonido de la tierra que tanto atrae a Ondrej (como el recuerdo de sus abejas) repele a Armin.

“He seguido estando sediento desde que volvi de Tierra Santa. Es como si estuviera en llamas”

Momento revelador es este en el que Armin bebe insaciable de un manantial y en cierta forma se confiesa y se desnuda frente a su amigo en un tono de inevitabilidad que resume a la perfeccion el tono de esta obra maestra de Frantisek Vlacil y una de mis peliculas favoritas de siempre.

Mis Favoritas de Abril

2010-05-01T12:26:00.005+01:00

1."Tonari no Yae-chan" (934), Yasujiro Shimazu

2."Babyface" (1933), Alfred E.Green

3."Deutschland bleiche Mutter" (1980), Helma Sanders-Brahms

4."Destry rides again" (1939), George Marshall

5. "Moonrise" (1948), Frank Borzage

6. "Saddle the wind" (1958), Robert Parrish

7. "The Women" (1939), George Cukor

8. "Las mejores intenciones" (1992, Versión extendida para TV), Bille August

"Christmas Holiday" (1944), de Robert Siodmak

2010-04-25T16:51:00.006+01:00

No hay ningún otro director que ejemplifique tan rigurosamente y tan bien la esencia de lo que es el cine negro como Robert Siodmak. Mi noir favorito, “The Phantom Lady”, es una película que me sigue fascinando después de haberla visto no sé cuantas veces y cada relectura es una experiencia nueva y maravillosa. Hablando hace poco con un amigo sobre Siodmak me contó que su noir favorito era precisamente “Christmas Holiday”, le conté que la tenia algo olvidada y me pidió que volviera echarle un vistazo a esta película sobre un psicópata y una cantante de night-club. Resultó un visionado no solo sorprendente sino que me confirmó el hecho de Siodmak era un maestro a la hora de manejar la estructura de una película. Creo que fue el primer noir que realizó ya en Estados Unidos y el riesgo que contiene la narración de esta película es una experiencia realmente arrolladora.

“Christmas Holiday” comienza el día de nochebuena cuando el teniente Charlie Mason que vuela camino a casa para encontrarse con su prometida, ve interrumpido el vuelo no solo por una tormenta sino por un telegrama de su prometida donde le comunica que se casa con otro. Hundido y deprimido en pleno Nueva Orleans, aquella tarde conoce en el hotel a un periodista que le pide que le acompañe a ahogar sus penas a un night-club regentado por una amiga suya. Desde el comienzo la atmosfera de esta película es melancólica y muy triste, y la entrada en el night-club no hace mas que acentuar esta melancolía que es el puro reflejo de cómo se siente Mason. La llegada al local es una de las escenas mas impactantes de la película y quizás de la filmografía de Siodmak: la cámara se pasea entre las parejas bailando, se desliza y va poniendo en situación al espectador que pocos segundos después conoce a Jackie Lamont, la cantante, y protagonista, interpretada por Deanna Durbin y está magnifica en mi opinión. Una puesta en escena fascinante porque después del recorrido musical, la cámara de Siodmak capta detalles maravillosos y sugerentes sobre la vida que ha tenido que llevar Jackie agradando a los clientes.

Tambien es sorprendente y chocante la próxima escena de la película que transcurre en una iglesia. Es nochebuena y Jackie la va a pasar en una iglesia asistiendo a la misa del gallo, primer momento inquietante para el teniente deprimido que no se imagina a la aparente frívola cantante de night-club en misa, y como no tiene nada mejor que hacer, la acompaña. Me chocó esta escena magnfica donde Siodmak es capaz de crear una atmosfera casi documental, filmando la misa tomándose todo el tiempo del mundo, y de pronto la protagonista ante el repetido “Mea culpa” del sacerdote, recuerda el pasado, se hunde y comienza a llorar copiosamente ,y ahí justamente Siodmak encadena el primer flash-back de la película.

La película tiene una estructura extraña y rompedora; en estos flash-backs Jackie le cuenta al teniente su turbador pasado con su marido ahora en la cárcel. No son unos flash-backs lineales ni seguidos en el tiempo, pero no resultan nada confusos, todo lo contrario, resultan sorprendentes porque casi no fui capaz de notar el sutil cambio de situación por esas elipsis tan fluidas y sincronizadas. Es en estos flash-backs donde conocemos a Robert Manette, interpretado por Gene Kelly, el marido de Jackie y el autentico protagonista de la película, turbador personaje que bajo una capa de aparente encanto esconde una doble personalidad peligrosa. Es sorprendente también la elección de Gene Kelly para este personaje que a mi me parece que está muy bien interpretado, precisamente porque choca no ver a este actor interpretando a este tipo de personajes y su personaje es especialmente inquietante precisamente por este hecho.

“Christmas Holiday” es una película atmosférica, oscura y uno de los noirs mas tristes y desesperanzadores que he visto, pero es también una de las menos frías de Siodmak, tiene un tono visceral que me llamó la atención sobre todo por el personaje de Deanna Durbin, una mujer nada común ni siquiera en el cine negro. No llega a ser una femme fatale pero tampoco es la esposa prototípica, pero quizás en eso reside la fuerza de las películas de Siodmak: consigue desorientar al espectador porque sus personajes desde luego no son unidimensionales ni lineales. Es como si en sus películas estuviera continuamente criticando las formas establecidas y el ejemplo está precisamente en la cantidad de escenas fascinantes y chocantes que contiene esta película maravillosa y tan olvidada.

Mis Favoritas de Marzo

2010-03-29T21:25:00.005+01:00

1. "Erotikon" (1929), Gustav Machaty

2. "Beyond the Forest" (1949), King Vidor

3. "Hadewijch" (2009), Bruno Dumont

4. "Ganga Bruta" (1933), Humberto Mauro

5. Cecil C. Demille:

"Madame Satan" (1930)

"The Crusades" (1935)

"Unconquered" (1947)

6. "Highway 301" (1950), Andrew L. Stone

7. "Easter Parade" (1948), Charles Walters

8. "The Lineup" (1958), Don Siegel

9. "Bright Star" (2009), Jane Campion

10. "The Lovely Bones" (2009), Peter Jackson

"Caught" (1949), de Max Ophuls

2010-03-19T19:56:00.009Z

No es ningún secreto que tengo una cierta debilidad por Max Ophuls pero al igual que me ocurre con cineastas como Rivette, por ejemplo, sus obras me desbordan de alguna forma y me siento incapaz de escribir sobre ellas. Me pasa con Rivette, como he dicho, y me pasa con Ophuls; es tanto y tan amplio, tan rico el universo que desglosan, que me resulta difícil manifestar en papel lo que sus películas pueden significar para mi. “Caught” fue la primera película que ví de Ophuls y me impactó ese mundo cerrado y claustrofóbico en torno a la arribista Leonora Ames, la acidez con la que Ophuls retrataba todo un estilo de vida y la forma en que desfragmentaba de alguna forma el “tópico” del sueño americano. Ahora la reviso y se vuelve a revelar con ese mismo impacto.

La historia de “Caught” gira en torno a Maud Ames (Barbara Bel Geddes) que llega Hollywood desde su Denver natal para triunfar como modelo o actriz pero cuyo objetivo más básico es el de encontrar un marido rico, autentico triunfo en la vida según ella. Maud cambia su nombre por el del mucho mas sofisticado de Leonora y asiste a una escuela de modelos en un intento por anular del todo sus aires mas provincianos y convertirse en una chica de mundo. Durante todo este proceso es reclutada para asistir a una de tantas fiestas tan típicas (imagino) de Hollywood, donde resulta obvio que si quiere triunfar en el mundo soñado por ella, antes se tiene que vender al mejor postor. Y el mejor postor no resulta otro que el rico y poderoso magnate psicótico, Smith Ohlrig (brillantemente interpretado por Robert Ryan) que al no poder comprarla, se casa con ella en una especie de rabieta egocéntrica.

Donde en otras películas el matrimonio es la perfecta culminación de una historia de amor en su versión de happy ending, aquí en Caught es el principio de una pesadilla. Leonora Ames resulta un personaje doblemente interesante por su ambigüedad, su aparente inocencia provinciana no engaña a nadie: quiere triunfar y la única forma de conseguirlo para una chica sin talento es el matrimonio. De la misma forma que los hombres la usan, ella los está utilizando solo que durante el proceso descubre que el sueño americano es un puro mito y el vacío junto a un personaje como el de Ohlrig es demasiado autodestructivo. El paso de modelo de segunda categoría a esposa de un millonario se revela en una autentica pesadilla. El símbolo de su triunfo es un abrigo de visón que ella usa primero como un abrigo prestado como modelo, luego la vemos usándolo ya como su propietaria siendo esposa de Ohlrig, y finalmente es ese mismo abrigo de visón el que marca al final de la película, también la evolución de su personaje, el mismo papel que jugaban los pendientes de Madame D.

Creo que las películas americanas de Ophuls han sido subestimadas de alguna forma, destacándose siempre entre ellas “Carta de una desconocida”, su película mas popular y la considerada más ophulsiana. No estoy para nada de acuerdo y después de revisar “Caught” (su película que más veces he visto) me reafirmo en la opinión que he tenido siempre de que me parece su película mas personal, la mas autobiográfica; una obra que a pesar de los problemas e incidentes que tuvo durante su rodaje, creo que consiguió ejemplificar casi perfectamente su concepción artística. Max Ophuls nunca consiguió acostumbrarse al estilo de vida americano, nunca se sintió realmente integrado, estuvo muchos años sin trabajar, mendigando trabajo y la prueba está en que entre 1941 y 1949 en que llegó exiliado de Europa, apenas firmó unas pocas películas. En Caught creo que Ophuls se venga de alguna forma de la industria americana que tantos sinsabores le causó y cuela sus experiencias más personales. Smith Ohlrig parece ser que está enteramente basado en Howard Hughes, y aunque Hughes como productor exigía ver el guión tras cada día de rodaje para censurar los detalles mas personales referidos a él, Ophuls y su guionista consiguieron colar toda una forma de vida. Mas que en ninguna otra de sus películas, Ophuls revela que es un moralista y que se siente conectado con unos ideales y que aborrecía de alguna forma todo un sistema de vida americano, el materialismo americano donde el dinero y lo comercial priman por encima de todo, especialmente el de Hollywood, y todo esto lo muestra en “Caught”, identificándose de alguna forma en los personajes del Dr.Quinada (James Mason) y en el de Franzi (Curt Bois), el recadero/alcahuete de Smith Ohlrig. Curt Bois al igual que Max Ophuls formo parte del proyecto de Vendetta del que fueron despedidos ambos por Hughes para dejar paso Preston Sturges, intimo amigo hasta entonces de Ophuls pero que a raíz de este incidente se sintió traicionado por el. El caso es que en "Caught" se aúnan ciertos aspectos en el personaje de Franzi en los que Ophuls se reconoce. En el guión original Franzi era descrito como un “dirty little refugee” y luego estas líneas de guión fueron cambiadas por el de “dirty little parasite”, Franzi un personaje constantemente humillado e insultado por Ohlrig, pero que tiene que soportarlo para sobrevivir economicamente y que sin embargo en un momento de la película consigue rescatar un resquicio de su dignidad más olvidada quizas en el momento más luminoso en una pelicula tan oscura.

"Caught" es una película visualmente turbadora, claustrobica, los encuadres del personaje de Leonora Ames la hacen aparecer siempre como una especie de prisionera, y aquí Ophuls también llevó a su máxima expresión la profundidad de campo en unas escenas maravillosas, casi siempre estando presente Robert Ryan autodestruyéndose a medida que avanza la película. “Caught” a pesar de todos estos años pasados desde que la vi por primera vez y de todas las maravillosas obras de la filmografia de Ophuls, se sigue revelando como mi favorita suya y a estas alturas no creo nada cambie ya este hecho.

Mis Favoritas de Febrero

2010-02-27T17:17:00.009Z

1. Henry Hathaway:

Sigo con mi ciclo particular de la obra de Hathaway y sigo cayendo rendida ante su talento para la puesta en escena. Tocara el género que tocara, y creo que los fue tocando todos, sus peliculas tienen un punto de altisimo nivel, obras con una clase que lo han convertido en uno de mis directores favoritos. Este mes he visto varias de HH y dos de ellas, "Down to the sea in ships" y "China Girl" (aqui tituladas "El demonio del mar" e "Infierno en la tierra, respecivamente) me han resultado especialmente fascinantes. "China Girl" tiene una mezcla entre cine negro y cine de aventuras que la convierten en una pelicula muy especial, "Down to the sea in ships" es una pelicula emocionante en todos los sentidos. ¡Hathaway que grande!!

"Down to the sea in ships" (1949)

"China Girl" (1942)

"23 Paces to Baker Street" (1956)

2. Dario Argento:

A Dario Argento he llegado por primera vez durante este mes. No sé porque tenia algunos prejuicios con esto del cine de terror italiano, cosa que me resulta algo incomprensible porque el cine de terror en general me encanta. El caso es que por fin he visto algunas peliculas de Argento y me he convertido en una fan incondicional de su cine; a pesar de que no todas tienen el mismo nivel, adoro las atmósferas que construye y la forma en que consigue conectar con su audiencia.

"El pajaro de las plumas de cristal" (1970)

"El gato de las nueve colas" (1971)

"Suspiria" (1977)

3. "Scaramouche" (1952), George Sidney

4. "Remember the night" (1940), Mitchell Leisen

5. "One Girl's Confession" (1953), Hugo Haas

6. "The Foxes of Harrow" (1947), John M.Stahl

7. "Night Editor" (1946), Henry Levin

8. "Somewhere in the night" (1946), Joseph L. Mankiewicz

9. "Five against the house" (1955), Phil Karlson

"Jane Eyre" (1944), de Robert Stevenson

2010-01-31T10:45:00.005Z

Reviso esta película, ahora después de muchos años, y me sorprende lo diferente que me parece, tantos detalles que se me habían escapado y que ahora se hacen muy evidentes. He visto muchas versiones, adaptaciones de la novela de Charlotte Brönte, y como actriz interpretando a Jane Eyre me quedo siempre con Charlotte Gainsbourg que en su día eligió Franco Zefirelli para su Jane Eyre, su Rochester interpretado por William Hurt sin embargo me pareció un miscasting total. Por otra parte, el Rochester interpretado por Orson Welles en esta adaptación dirigida por Robert Stevenson, siempre se me había quedado grabada. Me pareció en su día, y me parece aún ahora, tan reciente, el mejor Rochester, el más cercano a la novela.

Mientras veía “Jane Eyre” (aquí titulada “Alma Rebelde”) me preguntaba hasta que punto Robert Stevenson fue un alumno/admirador aventajado del gran Orson Welles, porque por doquier se pueden reconocer las huellas del gran Welles que a mi me hicieron volver una y otra vez en el recuerdo a los Amberson o a Ciudadano Kane. Sin embargo, me inclino más a pensar que fue el mismo Orson Welles quien contribuyó a crear la atmósfera opresiva de Thornfield Hall tan parecida a la de la casa de los Amberson, y también que fue Orson Welles el creador de ciertos ángulos de cámara, fascinantes y reconocibles como una de sus marcas más personales.

Investigo un poco sobre el tema y me entero que cuando el Mercury Theater ofrecía sus emisiones de radio, llegaron a radiar Jane Eyre, una adaptación de John Houseman y de Orson Welles, así que cuando llegaron a esta producción de la Fox, ya conocían el tema de sobra y ya debían saber que estructura debía tener el guión. John Houseman (también Aldoux Huxley) fue un guionista sin acreditar en esta “Jane Eyre” de Stevenson, sin embargo tenemos a más colaboradores de las emisiones del Mercury Theater: Agnes Morehead, Erskine Sanford, Bernard Herrman..., es más evidente entonces que la huella de Orson Welles está impresa con fuerza en esta Jane Eyre. Es cierto que es una adaptación también al estilo Hollywood, no muy fiel a la novela de Charlotte Bronte (excepto por la voz en off recitando ciertos pasajes de la novela), los diálogos suenan un tanto grandilocuentes, que a mi parece también es una marca muy wellesiana, y hay ciertos cambios en la estructura de la novela; parece ser que la Fox quería continuar el éxito emprendido con “Rebecca”, misma actriz y mismo director de fotografía, George Barnes, que consigue crear en esta “Jane Eyre” una película hermosísima visualmente.

“Jane Eyre” parece a simple vista una adaptación más de las muchas que se hicieron sobre la novela de Charlotte Brönte, pero es una película fascinante porque a pesar de las licencias y ciertas libertades que se puede tomar, refleja a la perfección el espíritu de la novela. Una película hermosa y llena de significados ocultos donde la atmósfera turbulenta y opresiva es la marca esencial de esta película única.

Mis Favoritas de Enero

2010-01-29T20:02:00.006Z

1. Philippe Garrel:

Elle a passé tant d'heures sous les sunlights... (1985)

L'enfant secret, (1979)

2. Le diable au coeur (1928) , Marcel L'Herbier

3. Inglorious Basterds (2009), Quentin Tarantino

4. Angela Schanelec:

Mein langsames Leben (2001)

Marseille (2004)

5. El año del sol inmóvil (1984), Krzysztof Zanussi

6. Man wanted (1932), William Dieterle

7. Dance, Girl, Dance (1940), Dorothy Arzner

"Nachmittag" (2007), de Angela Schanelec

2010-01-20T18:23:00.009Z

La primera película de Angela Schanelec que tuve la ocasión de ver fue “Marseille”, precisamente porque me aconsejaron que empezara con ésta porque era su mejor película, y es cierto, puede que sea la mejor, pero poco después me llegó “Nachmittag” y “Mein langsames Leben” y reconozco que con “Nachmittag” conecté como pocas veces y realmente fue con esta película donde comencé a hacerme una idea general del estilo y de la esencia del trabajo de Angela Schanelec.

Las películas de esta directora son algo especial no por lo que cuentan, sino por la forma en que se cuentan que es lo que me atrapa de cada una de las tres obras suyas que he visto hasta ahora. No hay un argumento definido, ni un hilo conductor o trama convencional donde vaya conduciendo a sus personajes. La narración de una historia es algo secundario para la Schanelec a mi entender, sino que se centra en observar a sus personajes en la rutina mas cotidiana, y aunque aparentemente parezca que sea un cine contemplativo, porque hay muchos momentos de silencio donde la cineasta filma el fluir de la vida, los detalles más cotidianos, sí que se habla mucho en las películas de Angela Schanelec y es en estos diálogos donde desde mi punto de vista construye una de los elementos primordiales de su cine y donde a mi me engancha totalmente, me resulta realmente un placer poder ver una película donde un autor se centra en el arte no solo del diálogo sino en el placer de escuchar al otro.

“Nachmittag” es una adaptación muy libre de “La Gaviota” de Chejov porque Angela Schanelec toma solo el triangulo de personajes: la madre Irene, su hijo Konstatin y su novia, Agnes. La directora elige limitar la historia a dos tardes en vez de a los dos años en que se desenvuelve “La Gaviota” y no manteniendo absolutamente ningún dialogo de la obra original, arriesgada y libre adaptación pero ¿ cuál es el argumento de “Nachmittag”?? Si normalmente me parece banal o poco importante extenderme en los argumentos de una película, en este caso, es casi imposible porque como he dicho anteriormente, sus películas no tienen un argumento definido. Irene, interpretada por la propia Angela Schanelec, es una actriz de teatro que se refugia en la casa junto al lago quizás para intentar un acercamiento a su hijo Konstantin, que intenta ser escritor, y que vive en la casa junto a su tío, hermano de Irene. Pocos personajes, y lazos en común que no reconoces hasta bastante después de empezada la película; Angela Schanenelec no explica nada, sino que deja al espectador mucho espacio para que se vaya acostumbrando y para que los vaya reconociendo. Junto a estos tres personajes, tenemos a otro personaje, esencial en la historia, Agnes, novia de Konstantin y vecina. Es verano, vacaciones, y la casa del lago es un punto de inflexión de unos personajes que van a la búsqueda de algo.

La narración de Angela Schanelec esta construida desde el minimalismo mas esencial, casi nunca intenta rematar una conversación o una escena con lo que podríamos llamar una resolución, sino que se vuelve muy elíptica pero de la forma mas natural posible. Es muy habitual en sus películas el detalle de mantener la cámara fija en un personaje que permanece en silencio durante minutos mientras quizás otro está hablando desde otro punto, una voz en off, oímos su voz, pero no le vemos, y de repente poco a poco después de no haberse despegado de ese plano estático, la cámara se mueve muy lentamente y se centra en el que habla. Es un detalle que a mi me resulta particularmente atractivo, porque es una manera de manejar el tempo, de dar todo el tiempo del mundo al espectador y hacerle cómplice. En el cine de Angela Schanelec destacan los planos generales de gente que conversa sobre detalles cotidianos pero también destacan los primeros planos de los cuerpos, de unos pies, de una espalda o de un perfil. Una pelicula visualmente muy atractiva no sólo por estos encuadres e iluminacion en interiores, sino por la forma en que filma estos cuerpos, lo que le confiere una cierta calidez en momentos inesperados cuando aparentemente podria haber derivado en una cierta distancia.

“Nachmittag” es una película que a mi me ha convencido totalmente de la valía de Angela Schanelec: una autora que no hace concesiones, que tiene muy claro el concepto artístico que ha decidido seguir y cuyo manejo del tempo resulta brillante por lo arriesgado. Merece la pena seguirle la pista.

Mi Top de Diciembre

2009-12-27T11:34:00.004Z

Este mes adelanto unos dias el Top del mes por el tema de las fechas en las que estamos y queria aprovechar para agradeceros a todos, que hayais compartido vuestras peliculas aqui con nosotros en este pequeño rinconcito, una experiencia enriquecedora y de lo más interesante. ¡¡¡Os deseo a todos un Feliz 2010!!!!

1. "Adios a las armas" (1932), Frank Borzage

2. "Merrily we go to hell" (1932), Dorothy Arzner

3. "Welt Spiegel Kino" (2005), Gustav Deutsch

4. "L'oeil du malin" (1962), Claude Chabrol

5. "La venganza es mia" (1979), Shoei Imamura

6. "Madame Dubarry" (1919), Ernst Lubitsch

7. "Geheimnisse einer Seele" (1926), G.W. Pabst

8. "Opera Jawa" (2006), Garin Nugroho

9. "Geschlecht in Fesseln" ("Sex in Chains",1928), William Dieterle

10. "Todos mienten" (2009), Matias Piñeiro

"Intentions of Murder" (1964), de Shoei Imamura

2009-12-21T12:20:00.007Z

Con el cine de Imamura me pasa como con el cine de Tony Richardson, que ya lo comentaba por aquí en una entrada, sin dejar de parecerme un autor interesante, nunca había conectado con sus obras. Quizás por ese hecho, cuando de pronto te encuentras frente a una película de un cineasta con el que nunca habías conectado, que te fascina y con la que por fin consigues conectar a lo grande, la experiencia se convierte en algo bastante más impactante que con otros autores de los que siempre te habías sentido cerca, puede que por la sorpresa de lo inesperado, por lo imprevisible de la experiencia.

Es cierto, que en “Intentions of murder” Imamura es fiel a sus temas de siempre y visualmente, es también una película Imamura cien por cien, pero algo tiene el personaje protagonista femenino, Sadako, que quizás le aleja en cierta forma de otras mujeres en sus películas: aunque siempre hay una cierta distancia, también hay mucha más calidez, y la frialdad y la sequedad con la que siempre ha analizado a sus personajes, aquí me parece que se torna en algo más cercano.

En “Intentions of murder” Imamura analiza la institución matrimonial desde el punto de vista de una mujer. Sadako (Masumi Harukawa) es una mujer prototípica en el cine de Imamura: ama de casa con un hijo, no es la mujer más luminosa del mundo según su marido, que continuamente la humilla haciendo hincapié en su simplicidad y en su ignorancia, se avergüenza tanto de ella y de sus orígenes, que ni siquiera la tiene registrada como su esposa y como madre de su hijo. La monótona, servil y pasiva vida de Sadako sufre un shock cuando una noche en que está sola en casa, irrumpe un ladrón que aunque en un principio solo viene por dinero, acaba violándola. Tras el impacto, la vergüenza de Sadako la hace decidirse por el suicidio; es impensable para una mujer que pertenece a ese rígido Japón patriarcal querer seguir viviendo con la vergüenza. A partir de ahí, Imamura nos muestra la evolución de Sadako: se rebela ante el rol que se espera de ella, sobrevive en vez de convertirse en victima, va entendiendo lo que le va ocurriendo. El ladrón la sigue acosando, pero ella va conociéndose a si misma a través de esta experiencia.

Me parece fascinante lo que Imamura consigue hacer con este personaje femenino y realmente es una película que se ha quedado ya conmigo, sus imágenes vuelven una y otra a mi mente porque me parece impactante el retrato que consigue hacer de una mujer en un principio pasiva, y que poco a se va levantando y tomando el control de su vida, una liberación que no es inmediata pero que Imamura se encarga de ir mostrando de la forma más natural posible. Los hombres que la rodean son débiles tanto física como mentalmente, su marido y su hijo, y el ladrón que aparece en su vida, hombres que de alguna forma reconocen la fuerza de Sadako pero no la quieren fuerte. Sadako es una mujer practica, muy terrenal, una superviviente, quizás un detalle también muy típico de Imamura.

“Intentions of murder” es un melodrama más que un noir, a pesar del titulo; sus imágenes algunas con su característico estilo documental se mezclan con flashbacks y algunas secuencias oníricas, su tono a veces trágico se torna en algo irónico, tan típico también de Imamura, y resulta una película estilizada pero también visceral y terrenal. Y mientras tanto, casi sin darnos cuenta, usando la excusa del crecimiento emocional de una mujer, nos ha hecho un retrato fascinante y punzante de los papeles preestablecidos en el Japón más tradicional. Una película tan subversiva como audaz por la forma en que nos muestra la supervivencia de una mujer en un mundo de hombres.

Mis Favoritas de la Década (2000-2009)

2009-12-10T12:44:00.009Z

En vista de que todo el mundo anda haciendo sus Tops de la Década y aprovechando de que me encantan las listas, me animo a colgar por aqui una lista de mis Favoritas; cineastas y peliculas que tienen en común el haberme impactado cuando las vi (aunque "Millenium Mambo" no me gustó nada la primera vez que la vi), y obras que podria seguir viendo una y otra vez, descubriendo detalles nuevos en cada visionado. Os animo a que colgueis por aqui vuestras favoritas; yo me puse como limite 20, pero como ya sé que no os gusta cortaros, no hay limite...

"In the mood for love", Wong Kar Wai

"Vete a saber", Jacques Rivette

"The Yards", James Gray

"La inglesa y el duque", Eric Rohmer

"Shara", Naomi Kawase

"The New World", Terrence Malick

"Les amants reguliers", Philippe Garrel

"El viaje de Chihiro", Hayao Miyazaki

"Birth", Jonathan Glazer

"Naturaleza Muerta", Jia Zhangke

"Rois et Reine", de Arnaud Desplechin

"Millenium Mambo", Hou Hsiao-hsien

"Last Days", Gus van Sant

"El oficio de las armas", Ermano Olmi

"What time is it there?", Tsai Ming Liang

"Señales", M.Night Shyamalan

"El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford", Andrew Dominik

"Tropical Malady", Apichatpong Weerasethakul

"L' intrus", de Claire Denis

"Historias extraordinarias", Mariano Llinas

"The Cheat" (1931), de George Abbott

2009-12-08T22:08:00.010Z

Viendo películas de la era pre-code, no puedo dejar de preguntarme hasta donde habría llegado el cine americano de no haber entrado en circulación el Código Hays en pleno 1934 y hasta que punto habrían evolucionado sus historias y sus personajes de no haber limitado esta censura el talento de muchos cineastas y de la mayoría de los guiones. Hasta entonces, la mayor parte de los papeles más interesantes eran los femeninos, porque salvo excepciones, la mayoría de los papeles femeninos de estas películas de la era pre code (entre 1929 y1934), eran mujeres que quizás hoy en día reconoceríamos como modernas: mujeres liberadas, audaces, independientes. Luego llegó el Código Hays y convirtió a estas mujeres en algo diferente, las colocó en un segundo plano y ya dejaron de ser mujeres tan libres y tan audaces.

“The Cheat” es una película en plena efervescencia de la era pre code y además protagonizada por una actriz también con fama de audaz y totalmente liberada, Tallulah Bankhead. No es que sea la mejor película del mundo en el sentido más artístico del término pero a mi me ha encantado por ese aire tan ingenuo y libre a la hora de contarnos un casi culebrón algo bizarro.

Tallulah Bankhead interpreta a Elsa Carlyle una aristócrata con una debilidad compulsiva por el juego y cuyo marido anda medio arruinado intentando recomponerse de grandes negocios fracasados. En una de estas noches de fiesta pierde una gran suma de dinero y ahí es donde empiezan sus problemas. Hardy Livingston, un playboy millonario coleccionista de mujeres en sentido más literal del termino, se ofrece a prestarle el dinero a cambio de que se convierta en su amante.

Es extraña la forma en que se suceden los acontecimientos en esta película sencilla a pesar de su argumento algo bizarro. Livingston que tiene una fijación por todo lo nipón, que se rodea de criados japoneses, y tiene su gran mansión decorada como una casa japonesa, es un ser extraño y con tendencias sádicas. Cuando Elsa es llevada a su casa y Livingston le enseña su colección de muñecas hecha a imagen y semejanza de las mujeres que han pasado por su vida, la expresión en el rostro de Elsa ya denota que se ha introducido en arenas movedizas y peligrosas, sin embargo consiente y acepta el dinero que éste le ofrece.

“The Cheat” es una película desinhibida como la mayor parte de las películas de la era pre-code y ademas, el mejor ejemplo para ver como vivian los ricos en plena depresión americana. La tensión sexual que se puede respirar en algunas escenas, los diálogos directos sin trampa ni cartón y la presencia siempre fresca y vital de Tallulah Bankhead la convierten en una obra atractiva y audaz. Tal como he comentado más arriba, no es la cima de la era precode, pero si que es una de las películas que mejor representa esta interesantisima época del cine americano.

Mi Top de Noviembre

2009-11-28T22:04:00.006Z

1. "36 Vues de Pic Saint-Loup" (2009), Jacques Rivette

2. "Film ist. A girl and a gun" (2009), Gustav Deutsch

3. "The limits of control" (2009), Jim Jarmush

4. "Baxter, Vera Baxter" (1977), Marguerite Duras

5. The Narrow Margin (1952), Richard Fleischer

6. "Al borde del mar azul" (1936), Boris Barnet/S.Mardanin

7. "Tetro" (2009), Francis F. Coppola

8. "Fish Tank" (2009), Andrea Arnold

9. "I wake up screaming" (1941), H. Bruce Humberstone

10. "Test Pilot" (1938), Victor Fleming

Mención especial. "Strait Jacket" (1964), William Castle

(no es la mejor pelicula del mundo pero la menciono porque me chiflan estas peliculas de terror excesivas e ingenuas)

"The Shepherd of the Hills" (1941), de Henry Hathaway

2009-11-26T10:11:00.009Z

Henry Hathaway es un director al que nunca le presté especial atención; sí que conocía algunas de sus películas pero realmente creo que nunca me di cuenta de su talento hasta que hace poco vi “The dark corner”; a raíz de ahí me dio por revisar “Niagara” y parece que se abrió una película nueva frente a mi. Y ahora veo esta película que me ocupa en esta entrada, “The shepherd of the hills”, y ya es imposible que le pase por alto.

“The shepherd of the hills” es una película sobre venganzas, rencores y redenciones adaptación de una novela de Harold Bell Wright que había sido llevada al cine ya en dos ocasiones en la etapa muda. Matt Matthews (John Wayne) ha crecido desde que fue acogido en casa de sus tía Mollie (Beulah Bondi) con la idea de vengar la huida de su padre; su tía Mollie le ha hecho creer que su desaparecido padre es el culpable de todos los males que les han ocurrido y le educa con la idea de la venganza y así acabar con la maldición que su familia lleva como una cruz. Cuando un extraño llega a las colinas, el tranquilo y apacible Dan Howitt (Harry Carey), el status quo de aquella comunidad cerrada de las montañas parece tambalearse: Howitt no solo trae un aire de modernidad a aquella comunidad que parece que todavía no ha conocido los adelantos de la vida moderna sino que parece saber algo más sobre el pasado.

Esta película de Hathaway está repleta de grandes momentos de gran cine, detalles que a mi me han recordado a John Ford por el lírico intimismo de algunas escenas; sitúa a sus personajes en medio de esos exteriores de las montañas Ozark, y sí, son unos exteriores impresionantes, pero se las arregla para conservar siempre la sencillez, y consigue, en mi opinión, una hazaña muy difícil: conserva siempre ese intimismo y se abstrae de la grandilocuencia de postalita que esos impresionantes parajes le hubieran podido dar. La puesta en escena de Henry Hathaway es la de un maestro en toda regla, el tratamiento del color, la forma en que nos muestra sus personajes y y los silencios y las miradas son un lenguaje en si mismo; me imagino que no todas sus películas serán perfectas, y me quedan muchísimas por ver todavía, pero creo que ya con esta joya de 1941 ya le quedó poco por demostrar.

Mi Top de Octubre

2009-10-29T20:41:00.010Z

1. "35 Rhums" (2009), de Claire Denis

2. Rouben Mamoulian

"Love me tonight" (1932)

"The song of songs" (1933)

"Applause" (1929)

3. "Vincere" (2009), de Marco Bellocchio

4. "Sudden Fear" (1952), de David Miller

5. "20th Century" (1934), de Howard Hawks

6. "Haze" (2005), de Shinya Tsukamoto

7. "Un profeta" (2009), de Jacques Audiard

8. "Moon" (2009), de Duncan Jones

"Mademoiselle" (1966), de Tony Richardson

2009-10-25T22:21:00.010Z

Hasta hace unas pocas semanas no conocía ni siquiera la existencia de esta película; bien es cierto que los cineastas del free cinema no me han interesado nunca especialmente, salvo alguna excepción, y Tony Richardson, en particular, no es que me vuelva loca aunque haya películas suyas que me gusten. Sin embargo, cuando me hablaron hace poco de la existencia de esta película, me llamó la atención de una forma especial: en el guión habían participado Jean Genet y Marguerite Duras, la protagonizaba Jeanne Moureau y la historia giraban en torno a la Francia más rural. Ahora después de vista me sigo preguntando porque es una película en general tan desconocida; los nombres antes citados no son precisamente unos desconocidos pero sobre todo me sorprende porque la fotografía de David Watkin me parece que dota a la película de una belleza que se sale de lo corriente; "Mademoiselle" es una película donde cada plano parece perfectamente compuesto por un pintor y muchos de estos planos ni siquieran necesitan del diálogo de tan poderosos y cargados de significados.

"Mademoiselle" está ubicada en un pequeño pueblo francés donde vive el personaje interpretado por Jeanne Moureau y de la que nunca sabremos su nombre (al más puro estilo "Rebecca") porque todos la conocen por mademoiselle. Es la maestra del pueblo y apenas sabemos más de ella, salvo detalles aislados y que poco a poco iremos componiendo como si fuera un rompecabezas: sabemos que le gusta aterrorizar a sus alumnos con historias de terror y sabemos que vive obsesionada por el deseo que siente por Manou, un leñador italiano (reconocemos las reminiscencias a Lady Chatterley) y esta pasión reprimida la conducen a realizar ciertos actos destructivos en el más absoluto de los secretos. Incendiando graneros, envenenando el agua de los animales y liberando el agua de la presa que provoca inundaciones, es la única forma de placer que parece reconocerse en su vida, siembra la autodestrucción a su paso mientras espía como Manou se convierte en una especie de héroe salvando estas situaciones.

La cámara de Richardson nos muestra su personaje femenino en un tono muy fetichista, antes de verla a ella, Richardson se ha centrado sobre todo en sus pies, en sus manos enguantadas, más tarde en sus zapatos de tacón perfecta y obsesivamente ordenados en el armario, en su imagen siempre reflejándose en espejos, detalles y mas detalles llenos de simbolismos fetichistas y de sugerente carga sexual. Mademoiselle que lleva en el pueblo una vida perfectamente aburrida y monótona, hace sus incursiones en el bosque para liberarse de toda esta represión. Hay un momento en la película en que un campesino la observa caminando por el sendero que conduce al bosque y le espeta que va por el camino equivocado y ante la pregunta de ella de porqué, el campesino le contesta: "Porque ese camino va al bosque, y en el bosque está el lobo!". Es este bosque y esta escena en particular lo que nos reafirma el tono de cuento que puede tener esta película de Tony Richardson; en “Mademoiselle” se aleja del realismo que tanto le define, y se embarca en una historia donde cada uno de sus fotogramas puede convertirse en un código a descifrar; la autodestrucción que el personaje sociopata de Jeanne Moureau siembra a su paso, las consecuencias morales que esto provoca en algunos personajes y los primeros planos de su rostro mientras observa con enorme placer el resultado de sus actos, convierten también a “Mademoiselle” en una autentica película de terror.

"Mademoiselle" es una película con pocos diálogos y sin banda sonora lo que la hace todavía más atípica y fascinante a mi entender. Richardson con la ayuda de David Watkin se concentran solo en reafirmarnos el personaje femenino a través de poderosas imágenes en plena naturaleza, como si fuera una película muda, y en "Mademoiselle" se nos demuestra que el sonido del viento silbando o del hacha de un leñador se pueden convertir en la banda sonora más perfecta para una película. Una pelicula hermosa y devastadora al mismo tiempo.

"Doug, no seas arty!"

2009-10-11T22:09:00.015+01:00

Recuerdo que en Hollywood la gente solía decirme: "Doug, no seas arty!". Esta es una palabra que nunca había oído antes, porque no existe en ninguna otra lengua; en realidad, el concepto no existe en ninguna otra cultura, que yo sepa. No hay ninguna palabra como esta en alemán. Y hacer buenas películas no tiene nada que ver con ser arty, estoy totalmente de acuerdo (Douglas Sirk).

Hace unos meses me recomendasteis en este blog, y a raiz de una entrada sobre Sirk, un par de libros sobre Douglas Sirk, del que consegui encontrar uno, "Douglas Sirk por Douglas Sirk" de Jon Halliday. Después de leerlo reconozco que es uno de los mejores libros de conversaciones que ha llegado a mis manos, y ciertamente después de terminarlo, la visión general de la obra de este director se ha tornado en algo diferente, entiendes nuevos conceptos y temas siempre presentes en sus películas. Me decido a transcribir algunos extractos que a mi me parecen de lo más interesantes sobre algunas de sus películas, no todas, porque de lo contrario esto seria eterno.

ALL I DESIRE

"Barbara Stanwyck era una excelente actriz, una de las mejores del lugar. En esta película se traslucía en ella la tristeza contenida de una vida rota. Era un preestudio de la actriz de "Imitación a la vida". Regresa de una vida imitada...Me atraía el titulo "Stopover" (Estacion de paso). Stanwyck no puede recuperar su amor, hay algo que la bloquea. Una mujer que regresa a todos sus sueños, con su amor, y no encuentra nada mas que esa podrida y decrépita familia americana de clase media. "Stopover" era un titulo mucho mas sombrío que "All I desire", habría dado profundidad a la película y al personaje, y a la vez, ironía".

OBSESION

"Tienes que hacer cuanto puedas para odiarla... y para amarla. Mi reacción inmediata ante "Obsesión" fue de desconcierto y de desaliento. Pero, aun así me sentía atraído por algo irracional que había en ella. Algo demencial, en cierto modo; bueno, obsesionado, porque esta es una maldita historia de locos donde las haya. La ceguera de la mujer. La ironía general; no la ironía en el sentido habitual de la palabra, sino como elemento estructural, un elemento de antinomia. El Doctor Philips, el marido de esta santa mujer, muere para que otro pueda vivir. Es una ironía euripidiana, el tema de Alcestes: una persona que aplaca la muerte ocupando el lugar de otra".

"Hay otra cosa importante, cuando digo que tienes que odiarla y amarla. A diferencia de la puesta en escena teatral, donde ensayas en continuidad, lo que significa que no puedes olvidar ni un momento de la totalidad de la obra, en el cine es muy distinto. Ruedas sin ninguna continuidad. Es un medio de expresión técnico, mucho mas que el teatro. Ruedas la escena numero ocho, y quizás solo la mitad de ella. Pasas a la ciento veintiséis, haces solo el plano general, que esta a cinco mil kilómetros del estudio, y vuelves a la escena al cabo de unas semanas, luego acabas la escena numero ocho, y sigues de esta forma deslavazada. La continuidad ambiental de la escena y de los personajes, de la luz y el tiempo, todo ello debe estar siempre presente en la mente del hombre, de la del director. Es el arquitecto a la vez que el albañil. Y al ser albañil, buen albañil, tiene oportunidad de enamorarse de cada ladrillo, del hormigón bien mezclado, del detalle. En todo caso, esta quizás inadecuada imagen puede explicarte lo que quiero decir con amar y odiar al mismo tiempo. Es una mezcla de kitsch, locura y material de derribo. Pero la locura es muy importante y salva un material deleznable como Obsesión. Esta es la dialéctica: existe una distancia muy pequeña entre el gran arte y la basura, y la basura que contiene el elemento de la locura se halla, por esta cualidad misma, mas cerca del arte".

"En el melodrama resulta una ventaja tener un personaje inmutable frente al que puedas colocar a los mas escindidos. Porque el publico necesita, o quiere, tener en la película a un personaje con el que pueda identificarse: el inmutable, naturalmente, al que nada mueve. (...) o bien el personaje secundario de la película que es tu protagonista en la sombra".

HIMNO DE BATALLA

"No me gusta demasiado pero mis reservas se refieren a mi mismo, o mas bien, a mi manejo del reparto. Porque, como recuerdas, yo hablaba de los personajes inmutables, y de los escindidos y te decía que las características de Rock Hudson se ajustaban a las de un papel inmutable. Pero aquí tenia que utilizarlo y desafortunadamente, le di el papel de un personaje escindido. Un actor como Robert Stack habría resultado mucho mas adecuado, estoy seguro. Piensa en Escrito sobre el viento o en Angeles sin brillo, una película de aviación también. Con un actor apropiado, el personaje de Dean Hess habría formado parte de mi galería de personajes dubitativos. Por dos razones, yo el director, no logré llevar el talento de Rock Hudson hacia este tipo de personaje roto. La primera razón era su abierta nobleza de corazón y su simple rectitud. Ante la cámara no puedes fingir. La cámara tiene rayos X en el objetivo. Penetra en el alma. No puedes ocultarle a la cámara lo que eres, cosa que es, me parece, la gran cualidad del cine".

INTERLUDIO

"El fallo principal de Interludio es que no tenia personajes que me entusiasmaran y había otro problema, Brazzi no tenia absolutamente ningún sentido del ritmo, ningún sentido de la música, lo cual es extraño en un italiano. Tuve que utilizar todos los trucos que sabia porque no llevaba el ritmo. Tenia que distraer la atención del publico del hecho de que esté siempre fuera de ritmo cuando dirige la orquesta. Te digo que mi perro tiene mas sentido del ritmo que Brazzi. Tuve que emplear mas tiempo en el montaje de esta película que en cualquier otra que haya hecho, se ve todavía si se observa atentamente. Había otros factores que iban en contra de su éxito, tuve que abandonar la idea original de que Marianne Koch, la esposa, bebiera. Me parecía que el alcohol contribuiría a la desintegración total de su matrimonio con Brazzi. habría añadido una razón de que todo fuese por mal camino. La bebida habría aportado un aspecto nuevo: habría indicado lo extremado de su condición social".

ESCRITO SOBRE EL VIENTO

"Era una obra de critica social, sobre los ricos y consentidos y sobre la familia americana, en realidad. Y puesto que la trama admitía cierta violencia, permitía también el vigor de la representación. Observa simplemente la diferencia entre "Solo el cielo lo sabe" y "Escrito sobre el viento". Hay en la primera un estrato distinto de la sociedad, todavía no alcanzado por las alargadas sombras de la duda. Aquí, en "Escrito sobre el viento", se retrata, y en muchos aspectos, se anticipa a una condición de vida, que no es distinta a la sociedad americana de hoy que declina y se desmorona. Por supuesto, como apuntaba antes, existe aquí el contraste de los personajes todavía intactos, representados por Mitch (Rock Hudson) y Lucy Hadley (Lauren Bacall). Estas eran según el box-office, las verdaderas estrellas de la película. Y creo que esta era, como lo fue antes, una feliz combinación: utilizar los valores estelares no para los papeles supuestamente interesantes, sino para reforzar la otra parte con buenos nombres y una interpretación de primer orden. (...) Y otra cosa, y por favor no sonrías ante lo que voy a decir: tenia no solo un personaje escindido en la película, sino dos, que daban vueltas desdichadamente sobre si mismos".

ANGELES SIN BRILLO

"Aunque el libro está completamente transformado, creo que los personajes de la película están muy cerca de los de Faulkner. Ese hombre (Robert Stack) que busca su identidad, un hombre que pisa un terreno muy inseguro. El suelo firme no le proporciona ninguna seguridad, busca la firmeza en el aire: una idea insensata y magnifica creo. Al mismo tiempo es una historia de amor, una de esas historias de amor imposible que siempre he querido hacer".

"Pero volvamos al reparto. El personaje que me interesaba más era el del aviador y pensé que Stack era el tipo adecuado para él. En cuanto a Burke (Rock Hudson), en la novela el periodista está quizás demasiado cerca del mundo de los aviadores. Pensé que seria mejor establecer un contraste y creo que de esta forma queda mas integrado de lo que estaba en el libro de Faulkner. Es un espejo perfectamente bruñido que se coloca frente al mundo demencial de los pilotos, esos indios del aire. El es el eje de la acción tanto en el libro como en la película. Y me gusta ese modo que tiene de no ser totalmente inmutable. Cambia".

"Tanto "Escrito sobre el viento" como "Angeles sin brillo" son estudios sobre el fracaso. Sobre gente que no logra hacer de sus vidas un éxito. Ni los inmensamente ricos como en "Escrito sobre el viento", ni los desharapados como en "Angeles sin brillo". (...) El éxito no es interesante para mi. Todas las obras de Euripides tienen este no hay salida; hay solo una escapatoria, la ironía del “final feliz”. Compáralas con el melodrama americano. Allá en Atenas, incluyes un publico tan despreocupado como el publico americano, un publico que no quiere saber que podría fracasar. Siempre hay una salida. Por eso tienes que pegotear un final feliz. Los demás trágicos griegos lo tienen, pero en ellos se combina con la religión. En Euripides ves su sonrisa socarrona y su irónico guiño".

TIEMPO DE AMAR, TIEMPO DE MORIR

"Estoy realmente satisfecho, porque puse mucho de mi mismo en la parte de amor de la película. Es una historia muy próxima a mis inquietudes, sobre todo a la brevedad de la felicidad. No soy tan pesimista como puedo parecer a veces. Creo en la felicidad... La felicidad tiene que existir, puesto que puede ser destruida. Además una felicidad sin macula seria como un poema mal escrito. Creo que si se hubiera puesto un “final feliz”, que era lógicamente posible dentro del marco de la historia, no se habría conseguido esta impresión de dolorosa ternura compartida por los dos amantes en sus escasos momentos de felicidad. Solo las cosas que están condenadas pueden resultar tan dolorosamente tiernas. Las cosas que duran pueden tener cierta belleza en si mismas, pero no tienen ese extraño poder que solo aparece en ciertos momentos. Espero que se note la desesperación. Y parte de la guerra. Porque hay aquí buenas escenas de guerra, me parece, no al habitual estilo de Hollywood. Y nunca se ve al enemigo, cosa que me gusta".

IMITACION A LA VIDA

"La única cosa interesante es el punto de vista negro: la chica negra que intenta escapar de su condición, sacrificando sus lazos de amistad, familia, etc., a su estatus social y tratando casi de desaparecer en el mundo de imitación de las variedades. La imitación de la vida no es la vida real. La vida de Lana Turner es una imitación muy barata. La chica negra elige la imitación de la vida en lugar de ser una negra. La película es una obra de critica social, tanto de los blancos como de los negros. No puedes escapar de lo que eres. Ahora los negros están despertando al -black is beautiful-. "Imitación a la vida" es una película sobre la situación de los negros antes de la época del slogan -black is beautiful-".

"Intenté convertirla en una película de conciencia social, no solo de conciencia social blanca sino también negra. Blancos y negros llevan todos una vida de imitación.. hay una expresión maravillosa en ingles: seeing through a glass darkly (ver a través de un espejo confusamente). Todo, incluso la vida, esta inevitablemente alejado de ti. No puedes alcanzar, ni tocar, la realidad. Solo ves reflejos. Si tratas de atrapar la propia felicidad, tus dedos solo encuentran el cristal. No hay esperanza".

"Y aquí de nuevo se produce el mismo fenómeno: el papel secundario es el más interesante y el papel mejor para interpretar. También el mejor papel para el director, que puede sacar mayor partido de él. Hay otro aspecto en el que siento que "Imitación a la vida" y "Escrito sobre el viento", aunque tan distintas, tienen algo en común: es el elemento subyacente de la desesperanza. En "Escrito sobre el viento", la utilización del flashback me permite expresar la desesperanza desde el principio mismo, aunque el publico no conozca el final. Pero ello, establece el tono. En "Imitación a la vida" no crees en el final feliz, y no se pretende realmente que lo hagas".

(Extractos de "Douglas Sirk por Douglas Sirk", de Jon Halliday)

"Daisy Kenyon" (1947), de Otto Preminger

2009-10-05T09:45:00.010+01:00

Daisy Kenyon es una película atípica en varios sentidos, o por lo menos esa es la impresión que he tenido después de verla por primera vez. Por una parte viene etiquetada como cine negro, y desde luego argumentalmente no comparte las historias del cine negro porque es un melodrama en toda regla, la historia de un triangulo amoroso de los de toda la vida. Y por otra parte, si nos dejamos llevar por el titulo de esta película, y sobre todo por la actriz que interpreta a Daisy, Joan Crawford y su natural tendencia a la sobreactuación, podemos pensar que es una película donde ella y solo ella lleva la batuta, ensombreciendo todo a su paso, hombres sobre todo. Nada de eso ocurre aquí en Daisy Kenyon, aquí nadie ensombrece a nadie. Aquí la mujer protagonista, Daisy Kenyon (Joan Crawford), está a la misma altura en todos los sentidos que sus dos contrincantes masculinos: Dan O’ Mara (Dana Andrews) y Peter Lapham (Henry Fonda).

La historia gira en torno a Daisy Kenyon, una mujer independiente y de carrera, ilustradora de una revista que es la amante de un hombre casado, Dan O’ Mara, brillantisimamente interpretado por Dana Andrews. Desde el primer momento en que los vemos juntos, es evidente que Daisy es una mujer insegura y en continuo conflicto consigo misma; no está para nada satisfecha con el rumbo de su vida, siendo siempre la segunda, sin embargo su tórrida historia de amor, es a su vez el único sentido de su vida. En la vida de Daisy aparece otro hombre, Peter Lapham, interpretado por Henry Fonda, y es entonces cuando ella intenta aprovechar esa circunstancia para escapar de su amante.

Quizás lo que mas me impacta de esta película, incluso más que la brillantísima puesta en escena de Preminger, es lo bien escrita que está. Es algo que siempre me sorprende en algunas películas de aquella época y que es tan difícil encontrar ya hoy en día; en apenas hora y media de metraje, se describen formas de vida y tormentos interiores, siempre confiando en la inteligencia del espectador, sin dar nada masticado ni digerido, todo se sugiere y a la vez todo se va entendiendo a la perfección. Aquí en Daisy Kenyon, nadie es lo que parece, todos son personajes con reacciones imprevisibles, ambiguas. Todos son también personajes atormentados, e inseguros. Daisy en continua lucha contra sus inseguridades y los complejos que le producen tener una relación ilícita con un hombre casado, ella que ha triunfado en su vida profesional, es infeliz en su vida personal. Dan O’Mara, brillante abogado, aparentemente calculador y seguro de si mismo es justo lo contrario cuando lo vamos conociendo mas de cerca, carga con un sufrimiento crónico que le viene de su vida domestica: su paranoica mujer descarga sus frustraciones sobre sus hijas para llamar su atención. Y en ultima instancia tenemos el personaje de Peter Lapham (Henry Fonda), aparentemente el mas vulnerable e inseguro de todos como resultado de su experiencia en la guerra y de haber perdido a su esposa. Y es lo que comentaba antes, apenas en un par de pinceladas podemos hacernos una idea del sufrimiento de la vida familiar del personaje de Dana Andrews, y a su vez en el personaje de Fonda, se nos hace un retrato punzante y ácido sobre los traumas tras una guerra.

Otto Preminger se propuso rodar un melodrama con las herramientas visuales que le daba el cine negro: la iluminación es un reflejo continuo de los sentimientos atormentados de los personajes, y por muy complejos y emocionalmente ambiguos que sean sus sentimientos, Preminger los contiene brillantemente. Sus tres personajes protagonistas aparecen encuadrados en ventanas, puertas, la mayor parte de las veces sugiriendo que son personajes fragmentados; Preminger mueve la cámara cuando se mueven sus personajes, de lo contrario, la deja estática lo que refuerza la contención continua del melodrama No hay excesos en ningún momento. En definitiva: Otto Preminger hace una especie de deconstrucción del melodrama llevándolo a su esencia.

Y tengo que destacar por encima de cualquier otra, la interpretación de Dana Andrews. Creo que aquí en Daisy Kenyon consigue su mejor interpretación, incluso por encima de “La noche del demonio”. Sé que era uno de los actores favoritos de Preminger porque era incapaz de sobreactuar y aquí Andrews lo lleva a su máxima consecuencia. Su personaje, Dan O’Mara es tan imprevisible y tan vulnerable en los momentos más inesperados, que resulta una autenica lección de interpretación.

Daisy Kenyon independientemente de la historia personal y particular de sus personajes me parece una maravillosa obra sobre lo que Ophuls llamaba “craftmanship”. El talento de todo un equipo, de una industria, ensamblado perfectamente para dar como resultado arte en su sentido más puro.

Mi Top de Septiembre

2009-09-30T19:20:00.006+01:00

1. "Yuki & Nina" (2009), Nobuhiro Suwa/Hippolyte Girardot

2. "Kansas City Confidential" (1952), Phil Karlson

3. "The dark corner" (1946), Henry Hathaway

4. "A woman's face" (1941), George Cukor

5. "Mildred Pierce" (1945), Michael Curtiz

6. "La marca del vampiro" (1935), Tod Browning

7. "Condenados" (1953), Manuel Mur Oti

Mención Especial:

"Petites Coupures" (2003), Pascal Bonitzer

Esta es una revisión, y no suelo incluir revisiones en el Top, pero revisar esta pelicula ha supuesto un placer nuevo, especialmente por la parte de la pelicula que transcurre durante toda una noche en el bosque con dos personajes muy perdidos, interludio nocturno que es como un sueño en medio de toda la pelicula.

"Liliom" (1930), de Frank Borzage

2009-09-10T12:03:00.018+01:00

De las películas de Frank Borzage que conozco, mis favoritas son las mudas, y la recién descubierta "Liliom", que no es muda, pero creo que conserva todavía mucho de la fascinación de las anteriores. "Liliom" es de 1930, así que sí no fue la primera hablada de Borzage, fue de las primeras, y es una película extraña y turbadora en muchos aspectos, puede que también porque me imagino que Borzage estaba intentando encontrar su ubicación dentro del sonido. Lo que he leído por ahí sobre ella no es muy favorecedor, se la compara con la "Liliom" (1934) de Fritz Lang (que no he visto) y siempre sale perdiendo, pero ya se sabe que las comparaciones son siempre odiosas y esto del cine es una experiencia muy subjetiva: lo que a unos les parece mal a otros les fascina, como en este caso me ocurre a mi con "Liliom" de Borzage.

"Liliom" es la adaptación de una obra de Franz Molnar que fue llevada varias veces al cine y cuenta la historia de Julie (Rose Hobart) que secretamente bebe los vientos por Liliom (Charles Farrell) un medio vagabundo muy golfo que trabaja en el carrusel de una feria. Se conocen, se casan y Liliom se embarca en una corta pero determinante experiencia delictiva que cambia el destino de la joven pareja.

Borzage ubica "Liliom" en Budapest y tiene pocos escenarios: la feria, la casa de Julie y en la ultima parte de la película, el escenario onírico. Lo que más me fascina de esta obra de Borzage es la diferencia que se establece entre las dos partes de la película: la primera parte es muy expresionista, con escenarios mas bien desnudos y sobrios (la casa de Julie), grandes ventanales donde siempre vemos la feria al fondo, habitaciones vacías y largas escaleras que ayudan a definir la desubicacion de los personajes y la soledad de sus vidas, el amor más real y sacrificado. Y luego está la segunda parte de la película, que viene a ser una mezcla entre lo fantástico y la ciencia ficción, y es en esta segunda parte de "Liliom", la onírica, donde creo que Borzage consigue expresarse con más libertad derrochando imaginación. Establece una clara diferencia entre la realidad más dura, y los sueños y el amor más romántico, y lo expresa de una forma única.

Y si atractiva resulta "Liliom" lo es también en gran parte gracias a Rose Hobart, una actriz diferente e inquietante. Durante un momento de la película, el personaje de Liliom le hace alusión a su expresión siempre triste, y ella le contesta algo parecido a que cuando es feliz prefiere guardarlo para si; aunque sonría, Rose Hobart sigue conservando una cierta melancolía y tristeza en su rostro lo que realza todavía mas la atmósfera extraña de esta película única y creo que muy moderna para su época.

Mi Top de Agosto

2009-08-29T12:14:00.009+01:00

1. "India Song" (1975), Marguerite Duras

2. "Senso" (1954), Luchino Visconti

3. "Tokyo Sonata" (2008), Kyoshi Kurosawa

4. "The old dark house" (1932), James Whale

5. William A. Wellman:

"The Purchase Price" (1932)

"Midnight Mary" (1933)

"Heroes for Sale" (1933)

6. "Man hunt" (1941), Fritz Lang

7. "Tension" (1949), John Berry

8. "Decoy" (1946), Jack Bernhard

Mención especial: "Adventureland" (2009) , Gregg Mottola

"Las hermanas Brontë" (1979), de Andre Techine

2009-08-09T19:49:00.014+01:00

La pasión y la luminosidad siempre presentes en las obras de las hermanas Brontë formaban un tremendo contraste con lo que realmente eran sus vidas diarias y esto es lo que mejor refleja la película de André Techine. La dureza y la sobriedad de sus vidas, monótonas, aburridas y sacrificadas están representadas a través de la fotografía de Bruno Nuytten con colores ocres, frios y tormentosos tan parecidos a la aspereza de la tierra en la que vivian, inspirandose siempre en los pintores románticos. Y además, eso que tanto se le ha criticado a esta película y es que pasa de puntillas por sus obras, que apenas se detiene en sus libros, es totalmente incierto: la película de Techine es precisamente un disfrute porque su guión hace continuamente referencia a sus maravillosos escritos; aparentemente estamos siendo testigos de sus vidas ocultas y discretas, pero con la finura de un diamante engarzado, vamos reconociendo frases y momentos de sus libros, apasionados y salvajes. No me suele entusiasmar André Techine pero esta pequeña joya bien merece que sea más recordada.

My love for Linton is like the foliage in the woods: time will change it, I'm well aware, as winter changes the trees.
My love for Heathcliff resembles the eternal rocks beneath:
a source of little visible delight, but necessary.....". (Wuthering Heights, Emily Brontë)

"Some time in the afternoon I raised my head, and looking round and seeing the western sun gilding the sign of its decline on the wall, I asked, 'What am I to do?' (Jane Eyre, Charlotte Brontë)

"His heart was like a sensitive plant, that opens for a moment in the sunshine, but curls up and shrinks into itself at the slightest touch of the finger, or the lightest breath of wind". ("The tennant of Wildfell Hall", Anne Brontë)

"I lingered round them, under that benign sky: watched the moths fluttering among the heath and harebells, listened to the soft wind breathing through the grass, and wondered how any one could ever imagine unquiet slumbers for the sleepers in that quiet earth". ("Wuthering Heights, Emily Brontë)

"Where danger lives" (1950), de John Farrow

2009-08-08T13:36:00.006+01:00

Si repaso otras películas de las que he comentado por aquí, seguro que tendrían mucho en común con esta película de John Farrow, "Where danger lives", que me ha hechizado: aquí vuelve a repetirse la fórmula del personaje (en este caso interpretado por Robert Mitchum) fragmentado y obligado a entrar de la noche a la mañana en un mundo de pesadilla, una especie de viaje a los infiernos o un viaje en sueños.

“Where danger lives” es un típico film noir de la época; está inmaculadamente fotografiado (Nicholas Musuraca de nuevo), magníficamente interpretado por dos actores por los que siempre he sentido una especial debilidad, Robert Mitchum y Faith Domergue, y dirigido por John Farrow con una sutilidad prodigiosa: es fascinante poder ir disfrutando de ciertos planos y ángulos de cámara que nos remiten continuamente al estado mental de sus personajes. El argumento es también una formula que hemos visto repetirse y otra vez en el cine negro: la femme fatale que engulle poco a poco al pobre hombre decente y lo aparta de su vida perfectamente establecida. Sin embargo, este tópico argumental tantas veces visto, se ve interrumpido por ciertos elementos que a mi me parecen ciertamente arriesgados: un toque bizarro y surreal, que van convirtiendo esta película poco a poco en una experiencia diferente.

Jeff Cameron (Robert Mitchum) lleva una vida perfectamente organizada y rutinaria como médico en un hospital hasta que una noche tiene que tratar de urgencia a una mujer tras un intento de suicidio. Ella es la frágil Margo Lannington (Faith Domergue). Desde el comienzo Jeff se siente obsesivamente atraído por ella, a pesar de que Margo le ha mentido en dos ocasiones: primero con su nombre y por segunda vez, cuando descubre que quien creía que era su padre, resulta ser su mucho mayor y algo sádico marido, Frederick Lannington (magnifico aquí, Claude Rains). Lannington resulta muerto en una accidente pero antes de caer ha tenido tiempo de golpear con un atizador a Jeff. La pareja protagonista a partir de aquí emprende su huida. Hasta aquí, es un típico noir de los de toda la vida...

A partir del momento del accidente, “Where danger lives” se convierte en una road movie medio salvaje, bizarra y claustrofóbica, y el mayor atractivo viene del estado mental del personaje de Robert Mitchum. Jeff Cameron ha emprendido su huida con una conmoción cerebral que le había producido el golpe con el atizador. La huida de la pareja es extraña y atípica, porque la conmoción de Jeff le hace pasarse la mayor parte de la película mareado y desorientado, con continuos dolores de cabeza y a punto de desmayarse. Este estado físico en continua descomposición le hace ver su entorno desenfocado y cuando sus fuerzas flaquean, es Margo quien quiere tomar el control de la situación. El mundo que recorren es también extraño y algo bizarro (me recordó en cierta forma los mundos de David Lynch) y es muy atractivo el hecho de que el espectador no termina nunca de estar seguro de hasta que punto, no sabemos o no podemos estar seguros, si esos extraños personajes que Jeff y Margo van conociendo “on the road”, son así realmente o solo el producto del estado mental de Jeff.

Y como he comentado anteriormente otro de los atractivos de esta joya del cine negro es poder disfrutar con el paralelismo que Farrow establece entre la desfragmentacion del personaje de Mitchum y los encuadres de la cámara: en la primera parte antes de emprender la huida todos son espacios amplios y encuadres muy definidos, y a medida que el personaje de Mitchum se va debilitando física y emocionalmente, los encuadres se van volviendo mas claustrofóbicos y cerrados.

A Faith Domergue la he visto en pocas películas sin embargo es una actriz que me gusta y me parece una pena que su conflictiva relación con Howard Hughes ensombreciera su carrera artística. En “Where danger lives” comparte la mayoría de los planos con Mitchum y me parece magnifica, en un personaje lleno de matices, vulnerable y fuerte al mismo tiempo, con sus luces y sus sombras. Magistral joya del cine negro esta “Where danger lives”.

Mi Top-5 de Julio

2009-07-29T17:57:00.010+01:00

1. "Mènilmontant" (1926, Dimitri Kirsanoff)

2. "Celine" (1992, Jean Claude Brisseau)

3. Les rendez-vous d' Anna" (1978, Chantal Akerman)

4. Vincente Minnelli:

"Madame Bovary" (1949)

"The Cobweb" (1955)

5. "Prime cut" (1972, Michael Ritchie)

y sigue este mes con algunas más (trampa, vale), pero el caso es que como este mes he posteado menos, me tomo la licencia de añadir algunas más que me han parecido estupendas...

6. "Crime wave" (1954, Andre de Toth)

7. Roy Ward Baker:

"Jekyll and his sister Hyde" (1971)

"The Vampire Lovers" (1970)

8. "Fedra" (Manuel Mur Oti)

Mención especial: "Watchmen" (2009), de Zack Snyder

(en realidad menciono esta película muy especialmente y particularmente por los titulos de crédito iniciales que me han parecido una joya)

"La séptima victima" (1943), de Mark Robson

2009-07-13T19:37:00.011+01:00

Es extraño el efecto que algunas películas producen en nosotros; algunas las ves y las olvidas, otras las revisas y se despliegan y se muestran cada vez más fascinantes, y en cada nuevo visionado se van revelando con momentos nuevos y diferentes. Val Lewton es el productor de “La séptima victima” y Mark Robson la dirigió contra viento y marea; a Lewton se le ofreció la oportunidad de tener un presupuesto importante a cambio de que olvidara su empecinamiento de que la rodara el desconocido Robson, sin embargo Lewton renunció a ese presupuesto y se conformó con el pequeñísimo reservado a las series B, pero conservó a Robson, que ya había trabajado con él y con Tourneur como montador (I walked with a zombie, Cat People y The Leopard Man). Esta sería la ópera prima de Mark Robson, que no recuerdo que luego hiciera nada tan brillante como esta “La séptima victima”, y que en mi opinión está a años luz de cualquier cosa que rodara luego, probablemente influencia de su colaboración con el imaginativo Lewton. Y desde luego viendo esta película, podría parecer perfectamente una película de Tourneur, pero no, lo que lleva es la marca de Val Lewton en la mayoría de sus escenas y me imagino que tambien lleva implicito todo lo que Robson aprendió montando las escenas de las películas de Tourneur.

Mary Gibson (Kim Hunter) se ve obligada a dejar el carisimo colegio católico donde estudia, porque su sofisticada hermana Jacqueline (Jean Brooks), que se ha hecho rica fabricando perfumes, deja de pagar las facturas. La directora del internado le informa a Mary que tiene dos opciones: o dejarlos, o ganarse la estancia trabajando; Mary preocupada por el silencio que ya dura seis meses de su hermana, se decide a abandonar la seguridad de lo que le rodea para adentrarse en un mundo desconocido hasta ahora para ella, Nueva York. Desde el mismo momento en que llega a la gran manzana, se pone a la búsqueda obsesivamente de su hermana Jacqueline, y durante esta primera media hora “La séptima victima” es una especie de historia de detectives: Mary busca, investiga, conoce personajes, y todo lo que vemos lo vamos conociendo gracias al punto de vista de ella. La inocente Mary, que hasta ahora había vivido en una especie de mundo privado y seguro, de repente se ve inmersa en un mundo desconocido y oscuro, donde se le van revelando detalles turbadores. El suyo es un viaje iniciático hasta cierta forma.

Justo a la media hora aparece Jacqueline y digo aparece, porque vuelve a desaparecer casi inmediatamente. La suya ha sido una aparición fantasmagórica, silenciosa y casi parece un zombie. Desde el mismo momento en que que la sofisticada e interesante Jacqueline hace su aparición, ya el tono de la película cambia. Ya no vemos solo el punto de vista de Mary, ahora ya podemos ver a otros personajes acaparar de alguna forma la atención, personajes todos con miles de aristas y recovecos, ninguno de ellos tiene ni una sola aparición gratuita. Poco a poco Mary también empieza a descubrir cosas sobre su hermana, no es la Jacqueline que ella ha conocido, le cuentan que tiene tendencias suicidas, que se ha casado en secreto, que no es feliz, y que forma parte de una extraña sociedad secreta, una especie de secta demoníaca, “Los Paladistas”

“La séptima victima” como buena película de serie B sólo dura 70 y poquísimos minutos, pero desde la primerísima hasta la ultima escena, no dejan de pasar cosas, no dejamos de conocer a personajes atormentados, todos van a la búsqueda de algo, tan fascinantes que cualquiera de ellos podria ser el protagonista de otra pelicula. Extrañamente, los personajes que rodean a Mary parecen luchar todos contra sus demonios interiores, sus infelicidades latentes, y cuando conocemos a los miembros de la secta, aparentemente son personas de lo mas estables y agradables, demasiado agradables. Esos detalles de película de terror aparecen luego en las películas de Polanski y de Hitchock, el terror de lo cotidiano...

La densidad del guión es otro punto que tendría que destacar, un guión que muchos han tachado de irregular y lleno de agujeros que no llevan a ninguna parte, pero no le veo defectos, sinceramente, es una película plagada de detalles que me fascinan:

- las referencias literarias (las Bronte, la novela gótica, John Donne y sus sonetos, y sigue),
- el argumento detectivesco se construye sobre una suerte de puzzle que podemos ir desentrañando como una película de misterio maravillosa (los paladistas, el significado del numero 7 que aparece por todas partes),
- la dualidad entre las dos hermanas (una que empieza a recorrer un viaje iniciático, la otra que está en pleno viaje terminal),
- más dualidades: continuamente hay personajes que son el opuesto del otro, como la noche y el día, el querer seguir viviendo y el querer morirse..

Y luego están las famosas escenas marca de la casa “Lewton” que son igual de arrebatadoras que el guión: la huida nocturna de Mary acosada por alguien desconocido durante ese viaje en metro, o esa persecucion nocturna de Jacqueline escapando de un asesino paladista que es una pesadilla hecha realidad. Y mi escena favorita, aquella en que la secta durante toda una tarde intenta que Jacqueline acabe con su vida, toda una tarde esperando pacientemente a que Jacqueline se tome una copa envenenada y mientras tanto la iluminación de Nicholas Musuraca va metamorfoseándose al ritmo del tempo de la tarde. Al final, acaba siendo una escena oscura, por que ya es de noche y solo los rostros se ven turbadoramente iluminados.

No le encuentro defectos a esta película, me fascinan no sólo sus personajes, sino la inventiva visual que despliegan entre todos y el subtexto de algunos temas que plantea; la iluminación y la densa atmósfera fantasmagórica es durante toda la película una metáfora del estado mental y emocional de sus personajes. Una pelicula con uno de los finales más arriesgados y desoladores que he podido ver en una película, y todo sólo y simplemente gracias a un penetrante sonido, así, sin más.

Mi Top-5 de Junio

2009-06-29T10:21:00.007+01:00

1. "Varieté" (1925, Ewald A. Dupont)

2. "Historias Extraordinarias" (2008, Mariano Llinás)

3. "Cielo Negro" (1951) / "A Hierro Muere" (1962), Manuel Mur Oti)

4. "Rien sur Robert" (1999, Pascal Bonitzer)

5. "Ficción" (2006, Cesc Gay)

Mención Especial: " La neige au village" (2008, Martin Rit)

"There's always tomorrow" (1956), de Douglas Sirk

2009-06-25T10:23:00.007+01:00

En el curso de este mes he podido ver dos Sirks hasta ahora desconocidos para mi, "Interlude" y "There's always tomorrow", y ambas películas giran básicamente en torno al mismo tema: la historia de una infidelidad y de sus consecuencias. El caso es que donde "Interlude" fracasa, en "There's always tomorrow" triunfa; "Interlude" es una historia de amor llena de tópicos con unos protagonistas bastante patéticos, porque es sonrojante ver ya a la madura June Allyson haciendo de americana ingenua por Europa y a Rosanno Brazzi encasillado una vez más dentro de uno de sus papeles de latino seductor. La historia de amor es ridícula hasta el sonrojo, sí, pero el talento de Sirk brilla en cada rincón, lo que convierten esta película en un goce para la vista, vaya talento que tenia este director para la puesta en escena y para sugerir a través de esta puesta en escena todo lo que los diálogos quizás no conseguian.

"There´s always tomorrow" es ya otro asunto porque es una película no tan conocida como otras estupendas de Sirk, pero a mi entender aquí su talento llega a su plenitud. Sirk demuestra que no solo dominaba el color sino el blanco y negro y consigue un acoplamiento perfecto con Russell Metty: es un prodigio el talento de ambos por la forma en que dan información sobre sus personajes solo por la iluminación de sus rostros, o encuadrándolos de espaldas, en planos junto a ventanas mojadas por la lluvia, o por el significado que adquieren los espejos, o incluso por el simple barrido que puede hacer la cámara por una habitación vacía.

En "Siempre hay un mañana", Sirk hace un retrato preciso, contenido y nada optimista del sueño americano, o de la perfecta familia americana y continuamente nos está lanzando información sobre este fracaso a través de detalles con una sutilidad deslumbrante. La película empieza con el intertitulo "Érase una vez en la soleada California..." y a continuación vemos una ciudad no soleada sino arrasada por la lluvia, primer mazazo donde Sirk nos viene a advertir que no nos creamos lo que vemos en la superficie, y que raspando sobre ella, aparecerán ciertas cuestiones nada agradables.

Clive Groves (Fred MacMurray) es un señor de mediana edad, felizmente casado y con tres hijos que se ha construido una sólida y exitosa reputación levantando una empresa juguetera. Cuando la historia arranca aparece en su vida Norma (Barbara Stanwyck) una amiga de juventud, convertida a su vez en una exitosa diseñadora de modas y soltera. Norma aparece en un momento de estos típicos tópicos en los que el señor casado está ya algo aburrido de que su esposa le ningunee en favor de sus hijos egoístas (tema también de otras películas de Sirk) y encuentra en Norma quizás la atención que le falta en su entorno. Ambos personajes a pesar de haber alcanzado el éxito ansían lo que tiene el otro: Norma envidia su vida familiar, Clive ansia la libertad y la motivación que parece haber perdido en pos de su familia.

La película es un eterno conflicto donde salen a la luz las debilidades de la sociedad americana de los 50 ya en crisis, se cuestionan las falsas apariencias, el precio del éxito, las hipócritas convenciones sociales y el derrumbamiento de la institución del matrimonio. Uno de los detalles mas atractivos de esta película es el símil que Sirk establece entre el protagonista masculino, Clive, y el juguete que está fabricando que se va a convertir en su mayor éxito, un robot que habla y camina, Rex. En un momento dado en una brillante escena entre él y su esposa donde le expresa el vacío en que se ha convertido su vida, él mismo se compara a su robot en una frase antológica:

"I'm becoming like one of my own toys, a walkie-talkie robot..."

Un momento glorioso en la película, no solo este sino los encuadres que hace Sirk con el personaje de MacMurray y el robot Rex, una metáfora que es la gran base de esta magnifica película. Una mirada dura y incisiva sobre el éxito, y sobre el vacío emocional derivado de él y todo a través de un personaje masculino, igual de grande que sus más famosos personajes femeninos sirkianos, para que luego se diga que sus películas eran "woman's pictures", por cierto término que siempre he detestado. Una joya a reinvindicar.

Eric Rohmer: sobre Kleist y "La Marquesa de O..."

2009-06-16T22:35:00.005+01:00

“Pensandolo bien, diria que todo viene porque me interesa la literatura alemana. He leido a Kleist como autor aleman y precisamente ese lado alemán de sus textos es lo que me ha motivado. Pensaba que habia que conservar ese idioma aleman y que podría ser una tarea dificil, pero eso es debido a la riqueza de ese idioma. El idioma de Kleist es lo que me atraia por muy extraño que pueda sonar y lo que he intentado ha sido conservarlo tal y como está en el texto. No quise sustituir ni una sola palabra por otra. Mis colaboradores en Alemania me decian: -Esta palabra es imposible- y yo respondia: -.No, este es un texto alemán de la época que me interesa, el alemán moderno no me interesa-. O me decian: -Kleist está anticuado, esto no lo va a entender de ninguna forma el espectador de ahora y se reirán. No necesitamos ya estas palabras-. Y yo les respondia:-Incluso si quiero adaptar del frances a Diderot y Merivaux, no osaria sustituir ni una sola de sus palabras. La palabra es para mi esencial. No podemos cambiar las palabras elegidas por sus autores. Sustituir o cambiar una palabra por otra lo considero un delito-".

(...)

“Lo que me atrae de Kleist es lo que me recuerda de Dostoyewski. También veo una conexión entre Dostoyewski y Kafka, un autor que me gusta mucho. No es el lado frances de Kleist lo que me atrae, tampoco eso que es tan tipicamente aleman en él, sino que me atrae su modernidad; lo que le une a la novela moderna cuyos antecesores son Dostoyewksi y quizas Kleist. Es la forma narrativa moderna que anticipa la novela moderna francesa y si quiere tambien la americana. Eso es lo que me atrae de Kleist. Eso, por ejemplo, no lo encontramos en los autores alemanes porque la literatura alemana, por lo menos la que conozco del siglo XIX, invita a la reflexión pero no tiene una forma narrativa definida. La narración inglesa y la de determinados franceses como Merimée, Balzac o Flaubert, es más moderna que la alemana. Está basada en la descripción de los sentimientos, de las ideas más que del argumento".

Lo que me interesaba era filmar tal como narra Kleist. Esa era mi intencion pero quizás eso sea muy dificil y no lo haya conseguido. Quería conservar la objetividad del estilo de Kleist y alguien dijo una vez, no sé exactamente quien, que Kleist narraba como un narrador que le da la espalda al público. Por eso preferi dejar la cámara siempre a cierta distancia de los actores. No hay primeros planos. Vemos a las personas como en los cuadros de la época, desde una cierta distancia. Los intertitulos juegan exactamente el papel del narrador que le da la espalda al espectador".

"Mientras los personajes lloran, el lector permanece con los ojos secos. Solo es el lector de hoy el que permanece frío ante sus personajes. Creo que la frialdad de Kleist se corresponde con su época. Kleist era frío en comparación a sus personajes pero sus personajes no son fríos, son cálidos y hierven de sentimientos; sin embargo Kleist los observa con los ojos secos. No es un sentimental, como por ejemplo se puede entender en Francia, solo es un escritor sentimental que intenta escribir de tal forma que nuestros ojos no se humedezcan cuando se le lee. Leyéndole vemos las cosas desde cierta distancia, y yo quería conseguir lo mismo".

"En mi opinión es necesario moverse respetando el estilo de la época. Sin embargo, no debe parecer forzado y eso se consigue mostrando lo menos posible. Solo vemos el decorado que Kleist quería que viéramos. Es algo neutral o impersonal, si quiere llamarlo así. No miran al exterior por la ventana, solo vemos un trozo del jardín, no vemos la ciudad o solo vemos un rincón decorado con los muebles de la época. La decoración en esta película no debía ser excesiva. En muchas películas de época, la dirección artística es muy importante, por ejemplo en las películas de Fellini o Visconti, etc. Sin embargo yo pensé que iba a ser un error darle demasiada importancia a esto. Por eso no quise rodar esta película en Italia porque el entorno y el decorado italiano iban a resultar demasiado evidentes y el espectador se iba a sentir demasiado atraído por esa riqueza artística. Por eso mismo, rodar en Alemania y de esta forma, podría resultar, como decirlo, un poco como fuera de la época y del lugar. El colorido local en Alemania no es tan fuerte y a pesar de ello, el estilo de la época se encontraba presente. Kleist observaba su época precisamente de esta forma".

"Quería rodar esta película con planos largos. Los planos largos son más objetivos, una película con más planos es siempre más subjetiva. Cuando las secuencias son largas y la cámara permanece quieta, los actores se mueven igual que en un relato de Kleist. (...) En mi opinión, es mucho más interesante conocer una época a través de su literatura o de su pintura que a través de información de segunda mano. Quizás es que Kleist era un adelantado a su tiempo pero yo también diría: es mucho mejor así porque su mirada sobre su sociedad era por este motivo mucho más aguda".

"Extracto de una entrevista de Werner Berthel a Eric Rohmer en Marzo de 1977, aparecida en la edición de "Die Marquise von O...", Insel Verlag)

"La Bella y la Bestia" (1978), de Juraj Herz

2009-06-14T21:11:00.007+01:00

Una de las películas fantásticas mas interesantes que he visto en mucho tiempo y nueva revisitación del famoso cuento de hadas "La bella y la bestia", es esta magnifica película del checo Juraj Herz del que sólo conocía la muy reconocida "The Cremator", que por cierto no tiene nada que ver con esta película.

La variante que hace Herz del famoso cuento es fascinante sobre todo por el tono que le da a esta historia que ya conocemos todos y de la que me parece innecesario siquiera ahondar en su argumento. A pesar de ser una película fantástica, la primera parte de la película, hasta que la protagonista se sumerge en el castillo, tiene un tono de lo mas realista y sombrío, mucha niebla, barro por doquier, bosques desoladores, paisaje inhóspito y desde luego nada del glamour al que estamos acostumbrados ver en un cuento de hadas. Ya cuando Julie, la protagonista, hace su entrada en el castillo, bastante en ruinas por cierto, los elementos fantásticos aparecen, pero el tono realista sigue estando ahí muy presente y la historia se va convirtiendo en una mezcla entre el cuento de terror y el drama psicológico

La película está muy emparentada con la versión de Jean Cocteau, sobre todo en sus elementos surrealistas, pero esta versión de Juraj Herz me parece más realista, oscura y sombría y porque Herz pone mucho empeño en concentrarse en el aspecto más psicológico de los dos personajes: la bestia es una especie de ave rapaz continuamente enfrentado a una voz en off que le presiona para atacar a la inocente Julie.

La atmosfera es el aspecto mas atractivo del trabajo de Herz porque durante la primera parte de la historia no vemos a la bestia, pero sentimos continuamente su presencia espiando tras puertas, ventanas y matorrales, una cámara subjetiva fascinante y turbadora. Y todo ese aspecto oscuro y algo tétrico sólo se ve interrumpido un momento durante la secuencia del sueño, muy luminoso en comparación con el resto de la iluminación de esta película. Julie es drogada y cae en un profundo y pesado sueño lleno de significados que a mi me recuerda a la famosa escena de la violación de "La marquesa de O" de Rohmer.

Lo dicho, un interesante y muy diferente acercamiento al famoso cuento de “La bella y la bestia”, violenta , oscura y turbadora.

Mi Top-5 de Mayo

2009-05-29T22:41:00.006+01:00

1. Jacques Rozier:

Desde sus cortos "Blue Jeans" y "Rentrée des classes" pasando por cada una de sus pelis "Adieu Philipinne", "Du côte d´Orouët", "Los naúfragos de la isla de la Tortuga" y "Maine Ocean". Qué grande Rozier, y que luminosas sus películas.

2. "Mon oncle Antoine" (1971, Claude Jutra)

3. "A Zona" (2008, Sandro Aguilar)

4. "No man of her own" (1950, Mitchell Leisen)

5. "Gimme Shelter" (1970, Albert y David Maysles, Charlotte Zwerin)

Mención Especial: "Los corceles de fuego" (1964, Sergei Parajanov)